242. Scott Pilgrim vs. the World

Scott Pilgrim vs. the World. 2010

Edgar Wright

Napoleon Dynamite + The Strokes + videojuegos arcade

Después de ver esta película lo primero que se viene a la mente es: “¡Qué cool!” Tenía mis dudas acerca de esta película, sobre todo porque es protagonizada por Michael Cera, y ese chico ya está muy encasillado en cierto tipo de personajes. Si bien aquí no sale demasiado de ese arquetipo que se le ha impuesto papel tras papel, la película tiene tantos elementos buena onda que es muy difícil que a alguien de menos de 30 años no le guste, sobre todo si para los amantes del rock alternativo o Indie y los videojuegos arcade. La película está basada en una novela gráfica de reciente creación con referencias a grupos de rock alternativo como The Smashing Pumpkins o a videojuegos como Ninja Gaiden.

Plagada de efectos de impecable factura que emulan el mundo de  este tipo de videojuegos vintage, una muy buena selección musical que incluye a The Rolling Stones, Broken Social Scene, Metric, Nigel Godrich (productor de Radiohead) y Beck, quien también compuso la genial música que interpreta la banda Sex Bob-omb en la película y una edición de audio realmente espectacular que toma samples prestados de diferentes juegos de Nintendo (incluso el director le escribió a la compañía de videojuegos solicitándoles el permiso para utilizar los efectos de sonido de juegos como The Legend of Zelda), la película es un verdadero regalo, una pequeña joya para cierto tipo de público que oscila entre geeks, gamers, rockeros y todos aquellos que se desquitan con la música moderna, con las típicas actitudes juveniles y demostraciones de indiferencia.

La película trata sobre un tímido bajista de un grupo de rock que se enamora de una chica que tiene una buena cantidad de ex-novios/as molestos, a los que tendrá que vencer uno por uno en una serie de enfrentamientos tipo Street Fighter o similar si es que al final quiere quedarse con la chica.

El reparto es genial, y no podría haber otro actor mejor para el rol de Scott Pilgrim que Michael Cera, salvo, quizá, por el tipo que interpretó hace unos años a Napoleon Dynamite. Además, se agradecen mucho las presencias de Kieran Culkin, Alison Pill, Mary Elizabeth Winstead (looking really hot!) y, por supuesto, Jason Schwartzman y Chris Evans.

“Scott Pilgrim vs. the World” es sumamente actual, visualmente impresionante y auditivamente poderosa. En resumen, tiene mucha energía. Indispensable verla con buenos decibeles y buena calidad de imagen. Para recordar aquello que nos hace adolescentes.

8 de 10, and stuff… ¡Ojalá haya una secuela!

236. La Cruda Verdad

The Ugly Truth. 2009

Robert Luketic

Si al menos Katherine Heigl estuviera más buena…

Bueno, pues estamos a unos días de que llegue mi cumpleaños y así termine oficialmente este reto personal que poco a poco se fue volviendo más y más imposible de cumplir, y con ello terminará mi suscripción patrocinada de Videodromo, pero cuando llegue el día les compartiré lo que tengo pensado hacer con este espacio en el futuro. Por lo pronto, vamos con “La Cruda Verdad”.

Honestamente, yo no sé qué hago viendo este tipo de películas, sólo voy a decir que soy una persona que cultiva amistades muy diversas porque creo que casi todo mundo te puede aportar algo a tu vida, aunque las diferencias se hacen notar mucho en los gustos musicales y de cine.

Este tipo de comedias románticas son bastante obvias, fáciles y predecibles. Una controladora y obsesiva productora de televisión (un tipo de personaje que ya hemos visto en varias películas recientes, como “The Devil Wears Prada”) tiene qué lidiar con el nuevo presentador de su programa, un pelado sexista y cínico que busca el placer sin arriesgar nada y da consejos a los hombres para conquistar a cuanta mujer se cruce enfrente, algo así como el personaje de Tom Cruise en “Magnolia”, pero versión filme de Matthew McConaughey. Ya sabemos que se van a enamorar y ya sabemos cómo, así que lo que está en medio de todo eso debería ser lo suficientemente interesante como para mantenernos entretenidos la hora y media que dura el filme. Sin embargo, fuera de 2 ó 3 momentos graciosos (también con bromas algo esperadas), lo que le sucede a una pareja tan poco carismática como la que conforman Gerard Butler y Katherine Heigl, la verdad, importa poco.

Mención aparte para la pésima elección musical para las secuencias inicial y final, haz de cuenta que el director revisó las listas de Billboard de hace dos años y puso las primeras canciones pop que vio. Este tipo de películas se hacían mejor en los años 30’s ó 40’s.

Aunque lo vendan como una película de comedia para ambos sexos, no se dejen engañar: es un chick-flick y se acabó. La cruda verdad es que me hubiera costado mucho menos ver esta película con alguien como Jessica Alba o Scarlett Johansson (aunque espero que ella no se preste para este tipo de filmes) de protagonistas…

5 de 10.

222. I Am Love

Io sono l’amore. 2009

Luca Guadagnino

Tilda Swinton, ¿extraterrestre?

Tilda Swinton es una de las actrices más extrañas de la actualidad, no sólo por su fisonomía sino también por su forma de actuar y los papeles que escoge. En “Io sono l’amore”, la actriz de filmes como “Burn After Reading”, “Julia”, “Adaptation.”, “Michael Clayton”, “Las Crónicas de Narnia” y tantas otras (normalmente en un papel secundario) no sólo es la protagonista sino que también funge como productora. La escocesa trabajó en conjunto con el director italiano Luca Guadagnino, responsable del filme “Melissa P.” y algunos documentales, durante un transcurso de 11 años. No me puedo imaginar por qué tomó tanto tiempo, pero supongo que será por cuestiones de agendas apretadas o falta de presupuesto, porque guiones de este tipo no son tan difíciles de hacer.

Centrada en las historias de una familia italiana adinerada y el lado romántico de cada uno de los miembros, la película se siente hecha con la mano de un europeo, y más aún, de un europeo que probablemente cursó la carrera de cine (esto no lo sé de seguro, lo que digo es que parece). El filme tiene un estilo un tanto extraño, ligeramente experimental e introspectivo, con tomas desenfocadas, muchos planos detalle hacia cosas, acciones u objetos que en principio parecen irrelevantes, movimientos de cámara poco comunes y demás, que ya en suma dan la sensación general de estar viendo la obra de un estudiante de cine recién graduado, porque a muchos de ellos les encanta andar innovando al principio de sus carreras. Incluso se podrían observar algunas referencias o similitudes con el cine de Hitchcock, Robert Altman y talvez algún otro…

A la cinta le fue bien en la crítica, y aunque tiene ciertos aspectos de interés, sobre todo para los verdaderos cinéfilos, yo no me vi lo suficientemente interesado en la trama como para recomendarla.

7 de 10.

218. Porco Rosso

Kurenai no buta. 1992

Hayao Miyazaki

No es de lo mejor de Miyazaki, pero es suficiente para entretener

Cuando alguien lleva tanto tiempo haciendo algo tan bien, es difícil encontrar qué decir acerca de su trabajo, como en el caso de Hayao Miyazaki, quien sin duda se ha convertido en el máximo exponente y gurú de la animación en Japón.

“Porco Rosso” es el sexto filme de Miyazaki, y el séptimo que produjo Studio Ghibli. El filme se centra en la figura de un talentoso piloto del cual descubrimos que, producto de una especie de maldición, se ha convertido en un cerdo (literalmente). En las aguas del mar Adriático se dedica a cazar “piratas del aire” hasta que estos, cansados de siempre verse superados por este curioso personaje, contratan a un vanidoso pero hábil piloto americano para que se haga cargo de él.

Curiosamente, el proyecto nació como una producción para ser transmitida durante los vuelos de Japan Airlines, quienes son los principales inversionistas del filme, que pronto mutó en un largometraje por su propia cuenta. Si bien “Porco Rosso” no se puede calificar (a mi parecer) como una de las grandes películas de Miyazaki, si no más bien a las regulares, eso es ya de por sí razón suficiente para darle una oportunidad, y creo que cualquier espectador que al menos tolere la animación japonesa y entienda sus cánones sabrá apreciarla.

Mi único problema con la cinta podría ser el hecho de que, situada en un contexto real como pocas veces sucede en un filme de Miyazaki, se introduce el elemento mágico de un puerco que pilotea avionetas y la explicación (o siquiera mención) de que se trata de un hechizo o algo de carácter mágico se tarda un poco en aparecer. Además, en ciertas ocasiones la misma historia no se toma muy en serio, pero bueno, a veces se me olvida que son dibujos animados que también tienen como objetivo atraer público infantil.

7 de 10.

217. Hannah y sus hermanas

Hannah and Her Sisters. 1986

Woody Allen

Todo lo que puede caber en una comedia de Woody Allen

No me gustaría ser un personaje de una película de Woody Allen, aunque a veces creo que encajo perfectamente en el perfil. Nuevamente el director neoyorquino nos habla de una de las cosas que más conoce: adultos que creen que son dueños de las situaciones, hombres y mujeres a los que les falta crecer, gente caprichosa, vulnerable, autosuficiente o todo lo contrario.

Hannah (Mia Farrow) es, de las tres hermanas, la que parece tener una vida estable, toda su familia la busca cuando necesitan algo, y ella poco parece necesitar de los demás. Pero su esposo (Michael Caine) está enamorada de Lee (Barbara Hershey), hermana menor de Hannah, una mujer algo confundida y sensible, que a su vez tiene por novio a un exprofesor suyo que vive recluido en una vida de creador, aislado de la sociedad por su misantropía. La tercera hermana, Holly (Dianne Wiest), no encuentra su lugar en el mundo y cambia continuamente de vocación, siempre pidiéndole ayuda económica a Hannah para cada nueva aventura laboral. En medio de todo eso se encuentra el exesposo de Hannah, un excéntrico e hipocondríaco productor de televisión, papel que, por supuesto, le toca al mismo Allen interpretar.

Así las cosas, y las situaciones que se dan, propias del universo Allen comienzan a sucederse las unas con las otras. Por supuesto, el director se toma su tiempo para incluir cínicas bromas acerca de la situación humana, de nuestra vulnerabilidad y de nuestra necesidad (¿o necedad?) por querer encontrar la explicación a todo a través de la religión (en una escena corta pero magnífica y muy directa en la que el personaje de Allen saca un crucifijo y una Biblia de una bolsa de mandado, para luego sacar una barra de pan y un bote de mayonesa), entre tantas otras cosas.

Mucha gente dice que es el mejor trabajo del director, pero en realidad yo tendría unas 4 ó 5 que colocaría como favoritas antes que esta. De las mejores, eso sí…

9 de 10.

214. El beso del escorpión

The curse of the jade scorpion. 2001

Woody Allen

Una gema de la comedia

Mi falta de tiempo me hizo revisar mi propia videoteca, así que finalmente me decidí por este filme. En este blog ya se ha hablado de Woody Allen talvez más que de cualquier otro director, y cualquiera que haya estado leyendo sabrá que lo considero simplemente un genio. Esta película, que lleva en México el innecesariamente desacertado título de “El beso del escorpión” (lo más lógico hubiera sido haber utilizado la traducción literal), es una gema de la comedia, como bien lo expresó el crítico de la revista Rolling Stone.

Woody Allen tiene un ingenio para mezclar comedia, romance, drama y algunas veces también misterio como pocos lo han tenido en la historia del cine. La simpleza de las historias que presenta sólo se puede equiparar con la destreza en la que después los elementos inicialmente presentados funcionan entre sí para crear los necesarios enredos propios del género. La mayoría de las historias puramente cómicas de Allen parten de un punto básico e inocente que después le permite al director mostrar su inteligencia a través de los diálogos y situaciones cómicas.

En este caso, la historia se centra en CW Briggs, un excéntrico pero exitoso investigador (quién más que Allen) de una compañía de seguros que está siendo renovado por Betty Ann, una exigente y retraída experta en eficiencia (Helen Hunt), a su vez amante del jefe de la compañía, casado, por supuesto. Desde el primer instante, CW y Betty Ann se odian mutuamente, pero su participación en un show de hipnotismo los une definitivamente. Ambos se ven envueltos, sin saberlo y bajo los efectos de la hipnosis, en una serie de misteriosos robos, en casas en las que la compañía instaló los complicados sistemas de seguridad. CW se vuelve el principal sospechoso y acude a Betty Ann para que ésta le ayude. Charlize Theron también aparece en el filme, como la mimada pero aventurera hija de una de las víctimas.

Long live Woody Allen.

8 de 10.

206. Dick Tracy

Dick Tracy. 1990

Warren Beatty

Amarillo, rojo y azul son los colores del payaso

No conozco la tira cómica y poco me interesa conocerla, pero el filme en cuestión se me hizo una payasada que me costó mucho, muchísimo terminar de ver. La verdad no sé ni por qué la renté, supongo que por curiosidad… Hace mucho, cuando todavía era un niño, vi esta película con mi papá, y recuerdo que comencé odiando a Madonna y al final me terminó gustando, y cómo no, si sale muy bien en un par de escenas, muy sexosa y provocativa.

El filme producido, dirigido y estelarizado por Warren Beatty tiene un aura extraña que resulta de la mezcla de decorados irreales con una paleta de colores muy básica y vívida (probablemente en alusión al cómic), personajes que se mueven entre el cliché y la caricatura, con maquillajes y caracterizaciones demasiado infantiles y un guión sin chiste.

En el filme aparecen estrellas como la misma Madonna, pero también actores serios como Al Pacino en el papel del villano principal, y Dustin Hoffman en un rol menor, así como otros actores menos conocidos, pero el mismo planteamiento de la cinta hace que nada se pueda tomar en serio.

La música de Danny Elfman se parece a la que él mismo hizo para sus colaboraciones con Tim Burton para la saga original de “Batman”, realizada por las mismas fechas.

5 de 10.

205. La Vida Secreta de las Palabras

La Vida Secreta de las Palabras. 2005

Isabel Coixet

Coixet sabe hablar del dolor

Isabel Coixet sabe manejar muy bien a sus actores, plantear escenas muy bellas y filmar con un estilo muy poético, pero sus películas no son para todos los gustos, pues el espectador encontrará siempre una carga fuerte de drama ya sea en forma de dolor, arrepentimiento, tragedias, soledad, aislamiento, celos o demás…

La catalana, quien se hiciera famosa por “Mi vida sin mí”, ya lleva varios largometrajes tratando temas muy adultos, muy complicados, fuertes y hasta cierto punto depresivos. El estilo y el toque de elegancia propio de la cineasta dota a sus filmes de valiosas pinceladas artísticas, comúnmente más asociadas con una cinematografía europea y/o independiente. Nuevamente, algo que no es del gusto de todos.

En “La Vida Secreta de las Palabras”, Coixet nos presenta una historia que involucra a una mujer obrera completamente recluida, antisocial y enigmática, de nombre Hanna, interpretada por Sarah Polley. En unas vacaciones forzadas, Hanna conoce a un hombre que trabaja en una plataforma petrolera en la que recién ha ocurrido un accidente y en la cual necesitan una enfermera. Hanna se apunta sin pensarlo dos veces en el afán, talvez, de tener simplemente algo con qué matar el tiempo. Una vez que llega ahí, Hanna conoce a su paciente, Josef, un hombre que ha sufrido quemaduras graves en el accidente y que ha perdido temporalmente la vista, así como a una serie de peculiares e interesantes personajes que por diversas razones se encuentran como excluidos del mundo en ese sitio de trabajo.

La cinta termina siendo poderosa cuando tiene qué serlo, mostrándonos muy lentamente la cara oculta de los personajes y develando sus secretos para hacernos entender un grado de dolor con el cual puede resultar difícil sentirse identificado, por ser algo tan lejano. Y con esto quiero decir que aunque nuestra sociedad cada vez es menos ajena a la desgracia, pero nuestra cultura y forma de ser nos obliga a afrontar las cosas de maneras muy distintas.

En fin, un 7 de 10 para esta película, aunque podría también ser un 8…

197. Masculin Féminin

Masculin Féminin: 15 faits précis. 1966

Jean-Luc Godard

Godard sabía escoger a sus actrices

Otra crítica retrasada, pero el hecho de que al día de hoy, cerca de dos semanas de haber visto la película, sólo recuerde algunos planos magníficos con rostros de mujeres her-mo-sas y en-can-ta-do-ras tiene que significar algo. Recuerdo haber pensado de esta obra de Godard que varios segmentos están muy dispersos, con elipsis muy atrevidas que sugieren el paso del tiempo y eventos aparentemente relevantes en la trama que simplemente el realizador francés no nos muestra, sólo los menciona como cosas que ya pasaron y que quedaron entre un corte y otro.

El rostro de Chantal Goya es una obra de arte por sí misma, y los mejores planos de todo el filme se sustentan en el encanto de su mirada y el misterio de su sonrisa, pero el resto del metraje se confunde, talvez intencionadamente, entre relatos y un retrato que se percibe como auténtico de una juventud decepcionada, radical y confundida, misma que Godard bautizó como “los hijos de Marx y Coca-Cola”.

En ocasiones, ciertas escenas parecen entrevistas hacia uno de esos individuos, en los cuales el director aguanta el plano sobre un personaje mientras éste se abre ante una serie de preguntas hechas fuera de plano, que lentamente van sumando 15 perspectivas o filosofías acerca de la vida en general y de las relaciones amorosas en específico para parecer más bien un documental falso de estudios sociológicos, con la magia del idioma francés, que todo lo vuelve más poético e ideológico.

7 de 10.

189. El Secreto de sus Ojos

El Secreto de sus Ojos. 2009

Juan José Campanella

La mejor película argentina que he visto

“El Secreto de sus Ojos” superó mis expectativas. La verdad, pensé que iba a ver alguna película de drama intenso y tintes artísticos “a la europea”, pero me topé con un thriller inteligente, interesante y bien actuado, en el cual los elementos dramáticos adicionales, como el romance, están bien integrados a una historia que se mueve en varias direcciones.

Un agente retirado hecha una mirada a su pasado cuando se decide a escribir una novela con tintes autobiográficos, basándose en el amor inconcluso que todavía tiene con la que fuera su jefa de departamento y en un caso (también inconcluso) sobre una mujer que fue asesinada y cuyo homicida fue capturado para ser liberado poco después por el mismo gobierno argentino, el cual le da trabajo como agente especial de seguridad. Aquí también juega un papel especial el esposo de la chica asesinada, quien a pesar de ser paciente y sensato, no puede seguir con su vida tras el suceso.

La película habla de muchas cosas, y dosifica muy bien las diferentes intervenciones de los personajes para en momentos hablar de la pasión, del arrepentimiento, del amor, del perdón, de los vicios, de las incongruencias del sistema judicial, de las vocaciones y de mucho más, pero sobre todo, de ciclos sin cerrar. En varios sentidos, la película se podría relacionar con los filmes con los que inició Alejandro Amenábar, dígase “Tesis” o “Abre los ojos”, pero también con otros tipo “El Silencio de los Inocentes”, de Jonathan Demme, pues alcanza los mismos niveles de emoción y profundidad.

Hay que destacar que Juan José Campanella no es ningún novato, de hecho hemos visto más cosas de él de lo que talvez nos imaginamos. El director oriundo de Buenos Aires ha estado principalmente dirigiendo series estadounidenses, entre ellas “Dr. House”, “Law & Order” y hasta “30 Rock”. Por su parte, Ricardo Darín (con quien ya ha trabajado en 4 ocasiones), Soledad Villamil, Pablo Rago y el español Javier Godino están muy bien en sus respectivos papeles, aunque seguramente aquí tuvo mucho qué ver una buena dirección.

“El Secreto de sus Ojos” es la digna ganadora del Óscar a Mejor Filme Extranjero y recomiendo mucho a todos verla.

9 de 10.