195. House of Games

House of Games. 1987

David Mamet

El espectador, como la mujer, ama más a quien más lo ha engañado

No soy tan fan de este tipo de películas, y menos de este tipo de actores tan ochenteros como Joe Mantenga, pero “House of Games” es un muy buen thriller.

David Mamet es considerado un gran guionista, y sus premios y nominaciones tanto al Óscar, el Pulitzer y el Tony hablan del respeto que se le tiene en el medio, más con la pluma que detrás de la cámara. “House of Games” representó el debut de Mamet como director, 8 años después de que su primer guión se convirtiera en un filme para televisión. De ahí, el judío oriundo de Chicago cosechó éxitos con los guiones de “El cartero siempre llama dos veces”, “Los Intocables” y “The Verdict”, para luego sentarse en la silla de director y entregarle al mundo este interesante y potente thriller que, sin duda, representa un gran debut.

“House of Games” presenta a una exitosa psiquiatra (Margaret Ford) que está demasiado envuelta en su trabajo que se ha olvidado por completo de la importancia de tener una vida personal con tiempo para distracciones, pasatiempos y relaciones sociales. Cuando conoce a un grupo de estafadores profesionales, la mujer se siente muy atraída por este estilo de vida, así como por el líder del grupo, Mike (Mantenga), quien se ofrece a mostrarle unos cuantos trucos para una supuesta investigación que la psiquiatra y autora quiere llevar a cabo. La mujer pronto se une al club y, aunque resulta obvio el desenlace que va a tener todo aquello, los puntos de giro están bien planteados y la historia nunca deja de ser interesante y emocionante.

Como dice una greguería Ramón Gómez de la Serna, “el lector (en este caso, el espectador), como la mujer, ama más a quien más lo ha engañado”. No sé si ya había utilizado esta frase en alguna otra crítica pero, ¿a poco no?

7 de 10.

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194. Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 1

Harry Potter and the Deathly Hollows – Part I. 2010

David Yates

La saga pierde la magia, y yo voy nomás por cumplir

Pues nuevamente voy atrasado con críticas de películas que ya vi. En este caso, me invitaron a la premiere de esta séptima entrega de la saga del nuevo más famoso del cine, la cual fue hace más de dos semanas, la medianoche de un jueves.

Debo decir que sí me entusiasman las películas de “Harry Potter”, pero de unas 2 ó 3 para acá creo que es más por un afán de cumplir y verlas todas que porque realmente se trate de muy buenas películas, de hecho creo que conforme los personajes van creciendo van dando entrada a más drama de adolescentes (lo cual está bien), pero la magia de anteriores entregas se va perdiendo.

Con una historia totalmente situada fuera de la escuela de magia Hogwarts, que sirvió de fondo para todas las entregas anteriores, Harry, Ron y la cada vez más bella Hermione, una vez que se han visto forzados a quedarse solos y lejos de la protección de los tantos secuaces de Potter, deben buscar, encontrar y destruir los Horcruxes, pedazos del alma de Voldemort. Yo no he leído los libros, y espero que sean diferentes y mejores (como todo mundo que sí los ha leído dice) que los guiones de las películas, pero en este filme en particular se siguen llevando investigaciones y los personajes descubren nuevas sectas, organizaciones y secretos que también forman parte importante de la historia completa.

Los niños han aprendido a actuar conforme avanza la saga, y hoy ya se les puede creer lo que dicen, pero Harry sigue siendo un héroe de poca monta que no resuelve nada por sí mismo (y además le van a quitar a su chica), y varios planteamientos de la serie son un poco tontos y sencillos, como el que alguien no sepa hacer un hechizo (cuando sólo se tiene qué aprender una palabra) o los nombres, construcción y apariencia de muchos personajes, siendo por mucho el peor de todos el que interpreta Helena Bonham Carter, convertida en una caricatura de villana.

El incluir tanta información nueva tan tarde en la historia en vez de encargarse de resolver misterios o jugar con los mismos elementos y personajes con los que ya se contaba parece ser un error, aunque éste puede tener su origen en la saga literaria, no lo sé. En esta misma línea, por primera vez en la saga se introduce animación, que, aunque bien hecha, no tiene cabida. En cuanto a planificación, David Yates comete, a mi juicio, dos errores más grandes aún, con la persecución en el bosque donde hace uso de la cámara a mano y una edición súper macheteada que no permite entender nada de lo que ocurre, y por otra parte una pelea de varitas en un restaurante londinense de comida rápida que parece un duelo de western.

La película tiene sus momentos flojos en un planteamiento de un difícil trayecto similar al que se tenía en la parte que correspondía a Frodo y Sam en “El Señor de los Anillos” (incluso con el Horocrux que también transforma a quien lo carga), pero sin esas otras historias a las que se podía cortar para no quedarse tanto tiempo en la misma línea.

7 de 10. Para la siguiente y última entrega, más vale que cumplan…

189. El Secreto de sus Ojos

El Secreto de sus Ojos. 2009

Juan José Campanella

La mejor película argentina que he visto

“El Secreto de sus Ojos” superó mis expectativas. La verdad, pensé que iba a ver alguna película de drama intenso y tintes artísticos “a la europea”, pero me topé con un thriller inteligente, interesante y bien actuado, en el cual los elementos dramáticos adicionales, como el romance, están bien integrados a una historia que se mueve en varias direcciones.

Un agente retirado hecha una mirada a su pasado cuando se decide a escribir una novela con tintes autobiográficos, basándose en el amor inconcluso que todavía tiene con la que fuera su jefa de departamento y en un caso (también inconcluso) sobre una mujer que fue asesinada y cuyo homicida fue capturado para ser liberado poco después por el mismo gobierno argentino, el cual le da trabajo como agente especial de seguridad. Aquí también juega un papel especial el esposo de la chica asesinada, quien a pesar de ser paciente y sensato, no puede seguir con su vida tras el suceso.

La película habla de muchas cosas, y dosifica muy bien las diferentes intervenciones de los personajes para en momentos hablar de la pasión, del arrepentimiento, del amor, del perdón, de los vicios, de las incongruencias del sistema judicial, de las vocaciones y de mucho más, pero sobre todo, de ciclos sin cerrar. En varios sentidos, la película se podría relacionar con los filmes con los que inició Alejandro Amenábar, dígase “Tesis” o “Abre los ojos”, pero también con otros tipo “El Silencio de los Inocentes”, de Jonathan Demme, pues alcanza los mismos niveles de emoción y profundidad.

Hay que destacar que Juan José Campanella no es ningún novato, de hecho hemos visto más cosas de él de lo que talvez nos imaginamos. El director oriundo de Buenos Aires ha estado principalmente dirigiendo series estadounidenses, entre ellas “Dr. House”, “Law & Order” y hasta “30 Rock”. Por su parte, Ricardo Darín (con quien ya ha trabajado en 4 ocasiones), Soledad Villamil, Pablo Rago y el español Javier Godino están muy bien en sus respectivos papeles, aunque seguramente aquí tuvo mucho qué ver una buena dirección.

“El Secreto de sus Ojos” es la digna ganadora del Óscar a Mejor Filme Extranjero y recomiendo mucho a todos verla.

9 de 10.

188. Más Negro que la Noche

Más Negro que la Noche. 1975

Carlos Enrique Taboada

Hay que aprender de nuestros errores

Hago la crítica de esta película dedicándosela a quien me la regaló el día de mi cumpleaños (y fecha de inicio de este blog), quien pronto se casa y deja México por uno de los tantos Springfields que hay en Estados Unidos. Te deseo lo mejor, Ale.

Y bueno, debo decir que ya había visto esta cinta hace algunos años cuando, desarrollando un guión de largometraje de terror, me di a la tarea junto a mi co-guionista de ver unas cuantas películas del género. “Más negro que la noche” es un filme mexicano de 1975 dirigido por Carlos Enrique Taboada, un prolífico guionista (aunque explicaré por qué no creo que tengan tanto mérito sus creaciones) y director nacido en el Distrito Federal, responsable también de las cintas “Hasta el viento tiene miedo” y “El libro de piedra”, quizás las dos más emblemáticas del género de terror en México hasta la fecha, tristemente.

A pesar de que “Más negro que la noche” fue realizada después de las dos anteriormente citadas, las tres películas tienen los mismos errores: una trama demasiado simple, malas actuaciones y una producción pobre. En esta ocasión, Taboada presenta una historia en la que cuatro jóvenes de buen ver (sobre todo Lucía Méndez, que estaba muy bien en aquel entonces) se mudan a una vieja casa que una de ellas recibe como herencia por parte de una misteriosa tía que conoció poco. La única (tonta) condición es que debe de cuidar a Becker, el amado gato de la tía. Las amigas son unas malagradecidas que se quejan de todo la mayoría del tiempo, pero principalmente del trato que reciben de Sofía, una criada que viene con la casa, muy al estilo de “Rebecca”, de Alfred Hitchcock, o de tantas otras películas que tienen estos personajes. El gato muere por negligencia de los chicas para dar paso a una tras otra escena de poca aportación a la historia ya sea en las cuales se aparece el fantasma de la tía o en las que las mujeres muestran atuendos como el que se muestra en la imagen.

En México tenemos devoción hacia las historias de terror, sólo hace falta ir a una librería (porque nuestro cine no sé por qué no se ha encargado de explotarlo) y constatar la cantidad de libros de mitos y leyendas urbanas que hay, incluso divididas por zonas o ciudades. Debo decir que yo he leído algunos de esos buscando historias pero las encuentro demasiado básicas e ingenuas, sin profundidad, lo mismo que sucede con las tres películas que he visto de Taboada. Es muy fácil buscar en una venganza o en un amor perdido una historia de terror, pero, ¿qué más?

Lo peor del caso es que ni siquiera la forma de contar la historia está muy estilizada, más bien parece un producto de terror que urgía entregar, prestando poca atención a muchos elementos técnicos y sin la pasión que tienen otros directores por el género.

6 de 10.

181. El Cubo

The Cube. 1997

Vincenzo Natali

El punto de partida para los thrillers psicológicos recientes

Antes de que los reality shows se volvieran el pan de cada día y tuviéramos en el cine secuela tras secuela de la deteriorada saga “Saw”, un filme canadiense de bajísimo presupuesto (alrededor de 365 mil dólares canadienses, menos de 5 millones de pesos*), llegó a las salas internacionales causando revuelo entre los espectadores por su sencilla pero original trama.

Situada entre los límites del thriller, el terror y la ciencia ficción, la película presenta a un grupo dispar de individuos que han sido colocados en una especie de cubo gigante con miles de habitaciones, unas seguras y otras que contienen trampas mortales. Sin molestarse en explicar mucho del origen y la finalidad de tal experimento y del complicado y mortal mecanismo, el filme se centra en el deseo de supervivencia de los personajes y la forma en que estos interactúan, dando pistas de quiénes eran antes de entrar ahí.

El filme resulta un increíble logro en el sentido de que es un producto sumamente barato pero muy cautivador e ingenioso, básicamente el sueño de cualquier cineasta novato con poco dinero. Las actuaciones de estos actores desconocidos en ocasiones dejan mucho qué desear (principalmente por parte de Maurice Dean Wint, quien interpreta a Quentin), así como algunos de los efectos digitales utilizados, pero ya para cuando uno como espectador logra notar estos errores ya se encuentra inmerso en el juego planteado por el guión.

Por supuesto que no pienso ver las siguientes entregas de esta saga, pero sí leí las sinopsis de tanto la secuela como la supuesta precuela, y su aparente poca aportación a la historia “detrás del Cubo” hacen notar que fueron innecesarias, como todas las secuelas de “Saw”, un filme que parece muy inspirado por el del norteamericano Vincenzo Natali, hoy desaparecido salvo por su participación en el filme ómnibus “Paris, je t’aime”.

En fin, el filme trajo buenos recuerdos, sin embargo, dentro del mismo estilo del filme recomendaría la alemana “Das Experiment”.

7 de 10.

* La mayoría de los filmes mexicanos que han gozado de algo de éxito se han realizado con 20 millones de pesos.

178. La Ardilla Roja

La Ardilla Roja. 1993

Julio Medem

Españoles salidos y horteras

Antes que nada, debo aclarar que el título de esta crítica no pretende ser una ofensa hacia los actuales campeones del mundo, pero sí a la forma en la que sus directores los presentan una y otra vez.

He visto ya unas cuantas películas de Julio Medem y de ellas considera que “La Ardilla Roja” es la más ingenua y la menos interesante en términos de guión. Además, la película tiene una pésima dirección de arte, vestuarios, fotografía y, en ocasiones, también dirección, algo que me sorprendió un poco por el nivel que el director alcanzó en “Vacas”, “Los Amantes del Círculo Polar” o “Lucía y el Sexo”.

“La Ardilla Roja” presenta la historia de una mujer que supuestamente ha perdido la memoria tras un accidente en moto, y la forma en que un hombre solitario se aprovecha de la ocasión para obtener, así como así, una guapa novia. El problema es que el filme sufre lo que han sufrido durante algún tiempo muchas películas españolas. Los proyectos comienzan con guiones malos e incompletos que no sé si son simplemente ingenuos, flojos, o toman al espectador como un idiota al que no le importaría que las acciones de los personajes no tengan sentido. La inconsistencia de los personajes está presente y se escuda tras una delgadísima capa de humo de “locura” sin sentido disfrazada ya sea de cine de arte o “surrealismo”. Para mí, en muchas películas españolas (principalmente las de Bigas Luna) sobran desnudos (aún si las mujeres sean hermosas) y la forma en que los personajes son tan abiertos, directos y guarros sobre el sexo resulta finalmente poco sensual y más bien provoca asco, pues no hay sutileza.

Y vaya, ¡qué decir de los vestuarios! O la gente realmente se vestía terriblemente en los 90’s en España, o el director o el director de arte tienen el peor gusto de la industria cinematográfica. Según yo sí hay qué mostrar historias y personajes auténticos, pero no hay razón de hacerlos tan mal vestidos a menos que se trate de comedia o una parodia, lo cual no es el caso.

Ah, y en esto del pésimo gusto incluyo la selección del reparto (salvo por la hermosa Emma Suárez, la única que no me molesta ver en todo el filme) y la selección musical, sobre todo por lo hortera o naca que resulta la canción que toca el grupo “Las Moscas”. No me jodas con el nombrecito… No sé si esté equivocado, pero creo que al niño lo doblaron, y además con la voz más típica del doblaje español… ¿O realmente es su voz?

6 de 10. Julio Medem cayó de mi gracia.

159. El Escritor Fantasma

The Ghost Writer. 2010

Roman Polanski

Con la habitual fineza de un thriller de Polanski

“The Ghost Writer” ha recibido más atención mediática por los problemas personales de su director que por el filme en sí. Pero dejando a un lado la política, nos encontramos ante un thriller político cuando menos peculiar e interesante, en el que Polanski logra mantener un ritmo perfecto para el género, en conjunto con una excelente elección de locaciones (haciendo pasar parajes europeos por lugares de los Estados Unidos), unas destacadas actuaciones y un guión atrayente, consiguiendo con todo esto un tono oscuro y tensionante que no suelta ni un minuto al espectador.

Polanski ya ha mostrado su conocimiento y maestría del género con filmes como “Chinatown”, “Frantic” o “El Bebé de Rosemary”, éste último más volcado hacia el terror, pero con mucha carga de suspenso. Aunque “The Ghost Writer” no alcanza el nivel de las anteriores, sigue siendo una película muy bien dirigida, aunque un par de cuestiones en el guión (sobre todo hacia la resolución, pero también la manera en que al escritor se le da toda la confianza) son algo ingenuas. Por otra lado, es sorprendente cómo el realizador logra crear una atmósfera tan envolvente, incluyendo algunas escenas menores y sin relevancia aparente, pero igual de desconcertantes, como aquella donde el jardinero recoge unas hojas en el patio.

Ewan McGregor, un actor que no alcanza el reconocimiento de otras estrellas de menor talento, interpreta a un escritor fantasma que es contratado por el ex Primer Ministro británico Adam Lang (presuntamente un personaje alusivo a Tony Blair) para completar la autobiografía de éste luego de que el escritor anterior muriera en circunstancias misteriosas. McGregor tiene una actuación muy destacada, pero Pierce Brosnan, quien interpreta a Lang, no se queda muy atrás. Olivia Williams, Kim Cattrall y Tom Wilkinson completan el elenco principal.

8 de 10.