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161. Vals con Bashir

Waltz with Bashir (Vals Im Bashir). 2008

Ari Folman

Documental animado israelí… Say what?


“Vals con Bashir” es una película un tanto difícil de describir, principalmente por la particularidad de elementos conjugados en la creación de la misma. Se trata nada más y nada menos que de un documental animado sobre la Guerra del Líbano de 1982 y es la primera película animada que se produce en Israel desde hace más de 45 años.

A manera de exorcismo y curación, el israelí Ari Folman presenta una historia sobre una búsqueda para recuperar su memoria, pues su mente ha bloqueado por completo momentos importantes tanto de lo que aconteció en la Guerra, como su propia participación en ella. Accionado por el relato de un extraño sueño de un compañero de unidad suyo, el cineasta viaja a varias ciudades europeas para entrevistarse con otros personajes que también estuvieron en el frente con él, para encontrar que muchos de ellos parecen haber bloqueado sus memorias.

A través de flashblacks, el documental va mostrando escenas de guerra que rayan en lo inverosímil (esto aunado a una estética extraña que parece ser parte de un sueño o alucinación), a la vez que el personaje recupera su memoria, revelando el terror y la inexperiencia de los soldados de su unidad, así como la forma en que el conflicto genera cambios radicales y trastornos en ellos.

Definitivamente no es filme fácil de ver, pero los logros y propuestas técnicas del mismo bastan para que éste resulte llamativo, por lo demás, se trata de un ejercicio introspectivo interesante que trata un tema muy complicado. Y qué impacto al final, cuando se vuelve a la realidad con aquellas terroríficas imágenes de la guerra, con las que el director nos recuerda que, a pesar de que hayamos estado viendo dibujos animados durante 90 minutos, todo aquello es verídico.

8 de 10.

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97. Entre Hermanos

Brothers. 2009

Jim Sheridan

Como Pedro y Pablo

Hay una canción de los Tigres del Norte que me vino a la mente súper rápido al leer un poco de qué trataba la película que iba a ver. Mi hermano y yo tuvimos un negocio de servicios para fiestas y la gran mayoría de las veces que llevábamos karaoke algún borracho nos pedía el corrido de “Pedro y Pablo”. Aquí no quedaron abandonados cuando murieron sus padres (aunque la madre sí ha muerto), pero si cambiamos Estados Unidos por Afganistán y el cruzar la frontera para buscar trabajo para sostener a una familia por ir a una guerra sin sentido, entonces, palabras más, palabras menos, tenemos el guión de “Entre Hermanos”, que de hecho es una adaptación de un filme danés de 2004 del mismo nombre.

Jake Gyllenhaal, Natalie Portman y Tobey Maguire estelarizan una cinta algo sencilla en su planteamiento inicial, con algunos buenos toques dramáticos desde el inicio, que explora algunos temas interesantes relacionados con la guerra, que deja tocado a uno de los hermanos, Tommy, militar destacado y consentido de su padre. A su regreso de la guerra, donde es tomado como prisionero por un grupo armado, y tras haber sido dado por muerto por sus familiares, se da cuenta que las cosas han cambiado en su hogar, pero más aún en su interior, pues se encuentra totalmente afectado por lo ocurrido en Afganistán.

La cinta se la llevan las dos niñas que aparecen como hijas de Tommy y Grace (Portman). Bailee Madison y Taylor Geare hacen un muy buen papel, muy adecuado a una trama que incluye el conflicto de los complejos, celos y demás situaciones que se pueden generar entre dos hermanos o hermanas. Natalie Portman actúa bien y tiene en su poder algunas escenas dramáticas que le exigen un poco más que el resto del filme, Jake Gyllenhaal cumple poniendo sus típicos ojos de perro atropellado que son suficientes para decir que el personaje sufre o está preocupado todo el tiempo, mientras que Tobey Maguire realmente apesta y seguirá apestando por siempre porque es un pésimo actor y nunca se sabe si está a punto de reírse en frente de la cámara o simplemente tiene cara de idiota. Y no es odio, simplemente creo que no debería estar trabajando en esto, hay muchos actores nuevos mejores que él.

A pesar de todo esto, “Entre Hermanos” cuenta con buenos momentos dramáticos, es una cinta lo suficientemente interesante, aborda buenos temas y está decentemente realizada por Sheridan, también responsable de “En el Nombre del Padre”. Por momentos la cinta parece un guión de Guillermo Arriaga o una película de Iñárritu pero sin los saltos temporales. Para esta comparación también ha ayudado mucho la música.

7 de 10.

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69. La Ciudad de las Tormentas

Green Zone. 2010

Paul Greengrass

Cómo hacer la película de “24”

Luego de hacer la gris y sensiblera “Invictus” con Clint Eastwood, participar como actor de voz en “Ponyo: El Secreto de la Sirenita, de Hayao Miyazaki y explorar sus dotes para la comedia en “El Desinformante”, de Steven Soderbergh, Matt Damon regresa a su lado suyo más serio, en un papel que le queda bien y con el que se siente como pez en el agua.

“Green Zone” trata sobre la guerra de Irak, pero más específicamente (y aquí es donde está el primer gran acierto de la película), sobre mentiras que el gobierno estadounidense utilizó para justificar una guerra que tanto buscaban mientras se vestían de superhéroes ante el mundo (quien sabe quién se trague eso hoy en día, pero bueno), que esperaba ver dónde estaban las mentadas armas de destrucción masiva. Damon interpreta a Roy Miller, un oficial de un grupo de búsqueda de tales armas que, harto de no encontrarlas y de información errónea y engañosa, decide ir en busca de la verdad ante una oportunidad que se le presenta de capturar a uno de los altos mandos de Saddam Hussein, quien durante los hechos relatados en la película ya se encontraba en fuga y su palacio tomado por los gobiernos americano e inglés.

En varios sentidos, entre ellos el estilo de dirección, la edición y, por supuesto la temática, personajes y género, la película se asemeja a la popular serie de televisión “24”, cuyos sellos son las tomas en cámara en mano con zooms bruscos, edición ágil y mucha acción. Paul Greengrass ya tiene en su haber los primeros dos filmes de la saga “Bourne”, donde también junto a Damon, exploró el género brindándole cierto toque de frescura. Ahora, gracias a una motivación más personal y honesta, el director inglés toma como inspiración un libro titulado “Imperial Life in the Emerald City”, del reportero hindú-americano Rajiv Chandrasekaran, además de aventarse un clavado en artículos de guerra para mezclar de la mejor manera los facts and fictions en su filme y entregarnos una pieza de acción bien hecha, bien actuada y con una historia interesante, honesta y cargada de crítica política.

Irak ya apesta a historias jodidas (y, por ende, películas) como alguna vez lo hizo Vietnam. A ver qué va saliendo, pero hasta el momento van bien.

8 de 10.

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49. Roma, ciudad abierta

Roma, città aperta. 1945

Roberto Rossellini

Un filme de sumo valor histórico

El filme anti-bélico y de temática insurgente se estrenó en 1945. Con un guión en el cual participó el mismísimo Fellini, la película es considerada la película manifiesto del neorrealismo italiano, del cual ya se había hablado aquí un poco cuando se hizo la crítica de “Rocco y sus hermanos”. Basada en parte en hechos reales y situada, por supuesto, en la capital italiana, en plena época de guerra y ocupación nazi, personalmente, “Roma, ciudad abierta” me gusta más como documento histórico que como película.

El movimiento cinematográfico surgido tras la II Guerra Mundial arrojó películas muy dramáticas, que a mí, desgraciadamente, me siguen recordando a las telenovelas mexicanas. Seguramente con este comentario seguramente le esté dando en toda la madre a geniales directores italianos, lo cual creo que resulta un tanto injusto, pero los tiempos han cambiado y los métodos de interpretación también, por eso el cine clásico a veces resulta tan difícil de apreciar para tantas personas, sólo falta ver la inocencia con la que se presentan algunas situaciones, o cómo están planteados algunos personajes.

“Roma, ciudad abierta” es considerada la mejor película de Roberto Rossellini, y sin duda significó una osadía para el director tomar una temática en ese entonces tan reciente y presentarla en una película, siendo, como era de suponerse, víctima de la censura en muchos países. La trama presenta las historias de los miembros de un grupo político en contra del fascismo y el nazismo en un documento acerca del miedo, “el miedo de todos, pero principalmente el mío”, según le definió el mismo Rossellini, quien se vio obligado a filmar en las calles, sin necesidad de recrear ningún escenario en algún estudio, además de que estos ya estaban destruidos a raíz de la guerra.

El filme es tan genuino y auténtico como puede ser, tiene momentos seguramente inolvidables dentro de la historia del séptimo arte, es honesto y arriesgado como pocas películas pueden presumir de serlo. Desearía que la temática me hablara más, porque en un momento sí llegué a sufrir un poco el ritmo de la película, que se tarda mucho en avanzar con pasos concisos y también se centra mucho en el drama, que hoy en día, en mi opinión, se antoja exagerado y redundante. Aún así, honor a quien honor merece, y Rossellini tiene mi respeto por su gran audacia y atrevimiento.

7 de 10. No recomiendo ver dos filmes de guerra seguidos…

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48. La Lista de Schindler

Schindler’s List. 1993

Steven Spielberg

Excelente dramón al estilo Spielbergo

Hace mucho quería echarle un ojo a esta película. Steven Spielberg, productor de más de un centenar de películas, es un gran director, pero a veces no sabe cuando parar o se encariña con los proyectos equivocados. Si bien éste no es el caso de “La Lista de Schindler”, el filme desgraciadamente también sufre de la saturación sentimental, chantaje emocional y anti-clímax (algo de lo que ya se había hablado en este blog), pero en cambio nos deja un peliculón soberbio, excelentemente dirigido (con la excepción de lo ya mencionado), de bellísimo tratamiento estético, conmovedor, bien contado, muy bien interpretado, algo triste pero con ese mensaje final de “todo estará bien mientras exista gente buena”.

No hace falta decir que Spielberg ha acertado en muchas ocasiones con sus proyectos, y una vez que ha creado un imperio en torno a él, ¿quién le va a decir que está equivocado con tal o cual proyecto? ¿George Lucas? Ja. Si alguien tuviera los cojones para decirle al multimillonario que casi siempre sus películas de 10 pierden dos puntos de calificación por hacer películas demasiado largas y con finales desesperantemente largos, otra cosa sería. Yo literalmente adelanté toda la escena en color, ya al final de la película, que no me dice nada. Si acaso la película hubiera terminado cuando el gran Oskar Schindler se va en su carro… Ok, entre eso y un poco de la exageración dramática melosa son de las poquísimas cosas que me llegaron a molestar del filme, pero todo lo demás es propio de un maestro. El blanco y negro que se maneja, con una fotografía muy clásica, muy de cine bueno de antaño, de una perfección comparable a la que se puede disfrutar en “El Hombre que Nunca Estuvo Ahí”, de los Coen, el director nutre su película para entregarnos algo finísimo, ¡y el mismo año que estrenó “Jurassic Park”! Wow.

Las actuaciones del tridente Liam Neeson-Ben Kingsley-Ralph Fiennes son perfectas, soberbias. Se extraña un poco más de la música compuesta por John Williams, no digo que necesita ser más espectacular, simplemente variar un poco más el tema principal. La edición es caprichosa y, como ya lo he dicho, afecta a la película, y el uso tan mencionado del cut-out (no sé si así se diga propiamente) para el color tanto del abrigo de la niña como de las velas es una genial idea, aprovechada perfectamente para EXPRESAR ALGO, pero se estropea un poco por no saber cuándo parar. Aún así, el director tiene ingenio para presentar algunos hechos que hacen avanzar la historia y para plantear algunas escenas sumamente memorables, que hacen perdonar sus otros errores a tal grado de entregarle 7 Óscars. Si Speilberg arriesgara un poco más y más seguido, dejando a un lado las trampas emocionales, sería un director mucho más interesante.

9 de 10.

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43. Grave of Fireflies

Hotaru no haka. 1988

Isao Takahata

La adaptación animada de una novela autobiográfica anti-bélica

Creo que “Grave of fireflies” se llama “La tumba de las luciérnagas” en español. Se trata de un filme animado producido por el Studio Ghibli, basado en una novela del mismo nombre del escritor japonés Akiyuki Nosaka, ambientada en el año de 1945, en plena Segunda Guerra Mundial y centrada en las figuras de dos hermanos, el joven Seita y su pequeña hermana Setsuko, que quedan huérfanos tras una serie de ataques aéreos. Definitivamente un argumento que no parecería muy apropiado para un filme de animación, pero lo japonés se cuece aparte.

El filme muestra un punto de vista diferente y no muy común para las películas sobre la Segunda Guerra Mundial, para empezar porque está contado desde el punto de vista japonés y no americano. En este caso, son los mismos estadounidenses los que atacan un pequeño poblado lleno de niños y mujeres con bombas incendiarias, reduciéndolo a la nada. Es entonces que Seita y Setsuko pierden a su madre, y con su padre perdido en el frente de batalla, deciden buscar alojamiento con una tía en un pueblo cercano. Pero resulta que dadas las circunstancias planteadas, todo mundo intenta sobrevivir a la catástrofe y cada quien se vale de sus propios recursos, provocando que pronto los hermanos se vean solos ante el mundo y viviendo en un refugio anti-bombas.

Me ha tocado ver bastantito de lo que produce Ghibli, y de lo que puedo decir es que esta película tiene un toque diferente por estar mucho más centrada en hechos reales con todo lo que eso puede llegar a implicar. Aunque conserva cierto toque de inocencia por parte de la niña y la relación entre ambos hermanos, algo que provoca las típicas escenas bonitas y a todas luces conmovedoras que les encantan a los japoneses, por otro lado presenta otras escenas algo duras y difíciles de abordar, lo que le ganó al filme en su momento críticas positivas en relación a que se demostraba que el cine de animación podría contar historias serias y profundas.

Como talvez habrá notado no tengo muchas ganas de escribir, pero sí diré que me gustó ver este otro lado de lo que podría ser cine bélico (o anti-bélico). 7 de 10.

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42. Zona de Miedo

The Hurt Locker. 2009

Kathryn Bigelow

La perfección en la manera de filmar tensión

Vaya que me ha sido difícil últimamente seguir posteando críticas, y creo que seguirá siendo complicado mantenerme más o menos a flote en el futuro, pero bueno. Por fin ya fui al cine y vi la tan comentada película ganadora del Óscar a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión Original, Mejor Montaje, Mejor Mezcla de Sonido y Mejor Edición de Sonido. Debo decir que me pareció una buena película muy bien filmada con un punto de vista algo original y algo desconcertante, iniciando por el hecho de imaginarse a una mujer abordando la temática de la guerra y con un reparto casi completamente masculino.

“Zona de Miedo” relata la historia de un equipo de desactivación de explosivos en Iraq, probablemente uno de los trabajos más estresantes y peligrosos del mundo. Día tras día y misión tras misión la película retrata brevemente la psique de los tres personajes principales, miembros de la compañía Bravo, que en principio se comportan como los típicos adolescentes americanos que buscan adrenalina y “Rock n’ Roll”, pero se desenvuelven poco a poco en más que eso. La directora estadounidense Kathryn Bigelow hace uso de actores desconocidos y uno que otro desconcertante cameo para presentar un discurso muy adulto, maduro e igualmente ambiguo que no toma un lado en torno a la temática de la guerra, limitándose más bien a narrar las aventuras de la compañía, aunque mostrando poco al desconocido enemigo insurgente.

La secuencia con la que inicia la película es espectacular, no sólo por tener a Guy Pearce (otro actor al que se extraña mucho) aunque en un pequeñísimo papel sino también por la tensión dramática que alcanza y las impresionantes tomas en cámara súperlenta. Un medio desconocido Jeremy Renner, quien se parece un poco a Brendan Fraser y a un par de actores famosos más, está muy bien en el papel principal interpretando al frío y difícil de leer Sargento William James, que es acompañado por el Sargento JT Sanborn (Anthony Mackie) y el especialista Owen Eldridge (Brian Geraghty). Además del actor de “Memento”, Ralph Fiennes y Evangeline Lilly (de la ya próxima a finalizar serie “Lost”) hacen pequeños cameos.

El filme tiene muchos momentos de tensión filmados de una manera muy interesante, con una muy buena fotografía por parte del inglés Barry Ackroyd (“United 93”), un montaje que se toma su tiempo para construir expectativas en torno a los pequeños capítulos en los que está dividida la película. Eso sí, el final (junto con la música elegida para este momento) se me hace un poco adolescente, así como algunas escenas, pero talvez puede ser parte del discurso de la directora presentar a sus personajes así, introduciendo una crítica sutil hacia este tipo de gente que tiene al alcance de un gatillo la vida de tanta gente y que entra en un país ajeno a dar órdenes en su propio idioma y gritando. Ojala nunca me toque vivir algo así. Me gustan mucho las temáticas que se manejan y definitivamente la forma en que de abordan en la realización.

8 de 10. Días para que se acabe el reto: 320 (creo).

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