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227. Alien Resurrection

Alien Resurrection. 1997

Jean-Pierre Jeunet

Devolviéndole un poco de prestigio a la saga


Ridley Scott, James Cameron, David Fincher y Jean-Pierre Jeunet. Pocas sagas en la historia del cine pueden presumir de contar con directores de primera línea para cada una de sus entregas como la de “Alien”. Si bien David Fincher debutada como director como “Alien 3” y Jean-Pierre Jeunet llegaba después de cosechar dos éxitos con las únicas dos películas que tenía hasta la fecha, “Delicatessen” y “La Ciudad de los Niños Perdidos”, mientras que Scott y Cameron llegaban con un cartel más amplio, hoy por hoy los cuatro son nombres muy pesados e importantes dentro de la industria fílmica internacional.

Luego de que Danny Boyle, Peter Jackson y Bryan Singer desecharan la invitación de dirigir la cuarta entrega, fue Jean-Pierre Jeunet el que finalmente le vino a devolver un poco de su prestigio original a la saga tras dos desastrosas secuelas, apoyado en un guión que finalmente hizo nuevas preguntas y añadió nuevos elementos en juego, porque previamente sólo debería definirse cómo iba a introducirse nuevamente al alienígena, quién sería el primero en morir para que finalmente le creyeran a Ripley de la existencia de tal criatura y quién iba a ser el idiota que la iba a dejar escapar.

Si bien el concepto básico de que la teniente Ripley es clonada con todo y bebe extraterrestre en el interior de su pecho es bastante ridículo, lo importante es que de ahí la película presenta situaciones nuevas y personajes interesantes, incluyendo un buen elenco en el cual se puede encontrar a Winona Ryder, Ron Perlman, Dan Hedaya y, por supuesto, Dominique Pinon, quien ha aparecido en todos los filmes del director francés. A pesar de tener apariencia humana, Ripley tiene condiciones físicas mejoradas por haber mezclado su ADN con el del alienígena, que resulta ser una reina capaz de reproducirse, esta vez, sin la necesidad de poner huevos, producto también de la mezcla con la sangre de Ripley. Después, el guión se aventura a presentar las últimas consecuencias de esto con resultados interesantes pero algo arriesgadas.

El elogiado estilo visual de Jeunet se hace presente, y no sólo eso sino que los efectos digitales, aunque aún perfectibles, son mucho más superiores que el de la entrega pasada. El diseño de producción, uno de los tantos logros de la película original, es nuevamente cuidado y tratado con cariño. Asimismo, el filme toma un giro hacia el tono de la primera entrega, lo cual se agradece mucho.

Ahora sólo nos queda esperar a ver qué hace nuevamente Ridley Scott con una supuesta precuela. Tengo mucha fe en que le irá muy bien.

7 de 10.

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181. El Cubo

The Cube. 1997

Vincenzo Natali

El punto de partida para los thrillers psicológicos recientes


Antes de que los reality shows se volvieran el pan de cada día y tuviéramos en el cine secuela tras secuela de la deteriorada saga “Saw”, un filme canadiense de bajísimo presupuesto (alrededor de 365 mil dólares canadienses, menos de 5 millones de pesos*), llegó a las salas internacionales causando revuelo entre los espectadores por su sencilla pero original trama.

Situada entre los límites del thriller, el terror y la ciencia ficción, la película presenta a un grupo dispar de individuos que han sido colocados en una especie de cubo gigante con miles de habitaciones, unas seguras y otras que contienen trampas mortales. Sin molestarse en explicar mucho del origen y la finalidad de tal experimento y del complicado y mortal mecanismo, el filme se centra en el deseo de supervivencia de los personajes y la forma en que estos interactúan, dando pistas de quiénes eran antes de entrar ahí.

El filme resulta un increíble logro en el sentido de que es un producto sumamente barato pero muy cautivador e ingenioso, básicamente el sueño de cualquier cineasta novato con poco dinero. Las actuaciones de estos actores desconocidos en ocasiones dejan mucho qué desear (principalmente por parte de Maurice Dean Wint, quien interpreta a Quentin), así como algunos de los efectos digitales utilizados, pero ya para cuando uno como espectador logra notar estos errores ya se encuentra inmerso en el juego planteado por el guión.

Por supuesto que no pienso ver las siguientes entregas de esta saga, pero sí leí las sinopsis de tanto la secuela como la supuesta precuela, y su aparente poca aportación a la historia “detrás del Cubo” hacen notar que fueron innecesarias, como todas las secuelas de “Saw”, un filme que parece muy inspirado por el del norteamericano Vincenzo Natali, hoy desaparecido salvo por su participación en el filme ómnibus “Paris, je t’aime”.

En fin, el filme trajo buenos recuerdos, sin embargo, dentro del mismo estilo del filme recomendaría la alemana “Das Experiment”.

7 de 10.

* La mayoría de los filmes mexicanos que han gozado de algo de éxito se han realizado con 20 millones de pesos.

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179. Donnie Brasco

Donnie Brasco. 1997

Mike Newell

Otra más de mafiosos con Al Pacino

No sé muy bien qué decir acerca de “Donnie Brasco”. Talvez lo más interesante del filme sea que está basado en hechos reales, y en ese sentido se trata de dos grandes operaciones encubiertas por parte del FBI que permitieron la captura de importantes mafiosos tanto en Miami como en Nueva York.

La transformación por parte del agente Joseph Pistone en su alias Donnie Brasco es un gran acierto en el guión (el cual obtuvo una nominación al Óscar como Mejor Guión Adaptado), una mutación que le resulta bastante sencilla al personaje y que plantea grandes cuestionamientos acerca del trabajo de un agente secreto y la forma en que éste se puede dejar atrapar por las nuevas experiencias que se ve obligado a vivir como parte de su doble vida.

El agente Joseph Pistone, esposo y padre de dos niños, se hace pasar por un ladrón de joyas de nombre Donnie Brasco y pronto gana la confianza de un criminal de poca monta, “Lefty” Ruggiero, con quien poco a poco va entablando una verdadera amistad. “Lefty” continuamente se queja de no poder ascender en la organización criminal a pesar de haberle servido durante 30 años durante los cuales asesinó a 26 personas, y tiene aspiraciones de salir de aquella vida. Donnie, por su parte, sube rápidamente de posición luego de proponer un negocio en Florida, pero poco a poco va perdiéndose en su nueva persona.

Como es de esperarse, el filme cuenta con muy buenas actuaciones, y da gusto ver que, a pesar de ser una película de mafia, en esta ocasión no se presenta a Al Pacino como un personaje que se las sabe todas, sino como un criminal mediocre pero entrañable como persona. Por su parte, Depp tiene un personaje serio muy alejado de las payasadas que hace ahora ya sea con Tim Burton o como parte de la saga “Piratas del Caribe”. Su papel como Donnie Brasco está mucho mejor que su intento como villano en “Enemigos Públicos”. Una poco destacable Anne Heche y un constante Michael Madsen completan el reparto.

8 de 10.

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153. In the Company of Men

In the Company of Men. 1997

Neil LaBute

Para las mujeres que odian a los hombres


No recomendaría a nadie ver esta película, de hecho no sé por qué la vi. Neil LaBute ha dirigido cintas como “Nurse Betty” (la cual, por supuesto, no pienso ver jamás), la nueva versión de “The Wicker Man” y, más recientemente, “Death at a Funeral”. También director de teatro y dramaturgo, LaBute escribió “In the Company of Men”, la cual dirigió en teatro en 1992 y llevó al cine 5 años después.

La cinta es una comedia negra acerca de la misoginia, el cinismo y la crueldad con la que se manejan un par de jóvenes ejecutivos que llegan a una nueva ciudad por unas semanas y deciden, a manera de una supuesta venganza hacia las mujeres que les han hecho daño, enamorar a una mujer para luego buscar destrozarla. La elegida para este experimento es una muda que labora en la misma compañía que ellos. Del reparto, sólo destaca Aaron Eckhart en uno de sus primeros papeles, pero más por el dato curioso que porque tenga una buena actuación.

La factura de la película es en todo caso pobre, con una calidad bastante mediocre en cuanto a estética, fotografía y demás. Aún así, el objetivo de la película, que no es precisamente hacer reír, se logra con los personajes principales y su participación en semejante juego, con las implicaciones que tiene jugar así con la vida de alguien.

Sorprendentemente, el filme tuvo muy buena aceptación y obtuvo buenas críticas, talvez por la temática tan americana de los corporativos y la gente que te puedes encontrar en ellos. Yo sólo le puedo dar un 6 de 10.

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118. Deconstructing Harry

Deconstructing Harry. 1997

Woody Allen

Woody Allen, el genio cinematográfico de nuestros tiempos

Nadie como Woody Allen. Con propuestas aparentemente sencillas que después se van complicando, el neoyorquino nos presenta continuamente historias interesantes, unas más personales que otras, según la época en que se hayan realizado. “Deconstructing Harry” talvez sea no sólo uno de los filmes más personales, autocríticos, honestos y geniales del director, sino de la historia del cine. Repleto de parodia hacia sí mismo y de referencias juguetonas como homenaje hacia sus ídolos cinematográficos como Ingmar Bergman o Jean-Luc Godard (en los cortes de edición), Allen se desnuda a sí mismo convertido en un personaje de una película mientras que éste personaje se desnuda a través de la literatura, dejando de paso a todos sus amigos y familiares ridiculizados y exhibidos continuamente a través de las páginas de sus libros.

Harry Block (Woody Allen) es un escritor medianamente exitoso que se ha echado a todos sus seres queridos encima, incluidas las mujeres que ha amado recientemente. Como una retrospectiva interna, el personaje convive con sus personajes, se mezcla entre ellos y hasta recibe de su parte consejos para arreglar su vida. Como parodia a “Fresas Salvajes”, de Bergman, aquí Harry también tiene que emprender un viaje a su alma máter (de donde fue expulsado) para ser honorado, pero en vista de que es una persona algo detestable y de pocos amigos, se ve obligado a pagarle a una prostituta para que ésta lo acompañe, luego de raptar a su hijo, al cual su madre no quería dejar ir.

El reparto incluye a Billy Cristal, Elisabeth Shue, Demi Moore, Tobey Maguire, Robin Williams, Stanley Tucci, Jennifer Garner, Paul Giamatti y Judy Davis, algunos de ellos como personajes de pequeños segmentos dentro de la literatura de Harry, que por supuesto, se parece mucho a los cuentos que Woody Allen ha publicado en su libro “Sin Plumas”, con esa maestría para dotarle toques de surrealismo, de filosofía y de crítica ácida (principalmente a la religión judía) a la comedia. No por nada el filme estuvo nominado al Óscar como Mejor Guión Original, perdiéndolo a manos de Matt Damon y Ben Affleck, quienes hicieron “Good Will Hunting”.

Woody Allen es un genio cinematográfico y ésta es una película que debe ser vista principalmente por su ingenio, pero también por cómo está tratada con distintos niveles y tipos de humor simple e inteligente. Por supuesto, algunos no disfrutan de este tipo de comedia…

9 de 10.

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102. El Sabor de la Cereza

Taste of Cherry طعم گيلاس). 1997)

Abbas Kiarostami

¿Qué es un filme minimalista?

Un hombre conduce por Tehran buscando a alguien que lo pueda enterrar después de que éste haya cometido el acto de suicidio. Un joven soldado, un seminarista y un taxidermista son los candidates de el señor Badii encuentra en su camino. Siempre desde lejos, a través de un planteamiento de tomas demasiado largas, generales y lejanas con las conversaciones de los personajes en off, Kiarostami nos presenta una historia básica y sencilla, talvez demasiado simple para muchas personas.

Al director iraní lo comencé a conocer a través de una trilogía que comienza con el filme “¿Dónde está la casa de mi amigo?”, sigue con “La Vida Continúa” y termina con “A Través de los Olivos”. No me canso de recomendar estas 3 grandes obras de la cinematografía mundial porque simplemente no he visto nada parecido, y realmente la forma en que las tres están entrelazadas es producto de mucho ingenio por parte de Kiarostami, quien también escribe guiones tanto para sus propios filmes como para otros directores.

“¿Dónde está la casa de mi amigo?” trata sobre un niño que se da cuenta que se ha llevado por equivocación el cuaderno de tareas de su amigo, y conciente de que a éste el profesor lo trae entre ceja y ceja, decide escapar de su casa y aventurarse a la aldea donde vive en busca de la casa de su amigo. Sin más. El siguiente filme de la trilogía está situado después del terremoto que azotó a la provincia de Gilán en 1990 y mató a cerca de 45,000 personas. Presentada como una mezcla entre falso documental y road movie, la película presenta al director y al hijo de éste (interpretados por actores), que tras el terremoto toman carretera para ver si los dos actores principales de su filme anterior siguen vivos. El filme que cierra la trilogía se centra en una pareja de supuestos extras de “La Vida Continúa”, básicamente gente ordinaria a la cual el director ha puesto a actuar como marido y mujer, siendo que el hombre ha estado enamorado realmente de la que el director escoge para interpretar a su esposa. El filme expone ese enamoramiento y los esfuerzos del hombre por acercarse a la mujer de sus sueños, a la cual puede tener cerca finalmente gracias al rodaje. Tramas simples pero nada sencillas y sí con un gran toque de genialidad.

Una vez ya expuesto quién es Abbas Kiarostami y qué es lo que el tipo puede llegar a crear, debo decir que en ocasiones, en otros filmes que he podido ver de él, el director también se da sus tremendas chiflazones con mucha soberbia, así que no puedo recomendar su filmografía completa, situando a “El Sabor de la Cereza” entre aquello que no me quedan demasiadas ganas de invitar a demás gente a que lo veo. El personaje principal (como el actor) resulta antipático y algo aburrido. La fórmula tarkovskiana de sostener un plano hasta que el espectador ya no aguante también es aplicada aquí (algo que a la gente al parecer le ha dado por llamar cine minimalista), como en sus anteriores filmes, el problema es que ni la historia ni los personajes son lo suficientemente interesantes y/o creíbles (el tipo se detiene a hablar con gente todavía a bordo de su camioneta, hace preguntas demasiado personales y a nadie parece importarle contestar con toda la sinceridad del mundo). Lo que sí funciona en “La Vida Continúa”, que es la presentación de personajes secundarios muy interesantes aprovechando la dinámica del roadtrip, aquí se pierde entre unos 3 ó 4 personajes secundarios a los que les falta un poco de riqueza y construcción a pesar de sentirse reales. El final es sumamente desconcertante y me parece que el director simplemente busca romper la llamada cuarta pared.

6 de 10, al final ya ni tenía ganas de seguirla viendo.

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95. Lost Highway

Lost Highway. 1997

David Lynch

Fuera de mi top 5

“Lost Highway” estaba en mi top 5 de películas de todos los tiempos. Fui a rentarla para presentársela a alguien y, tras verla de nuevo, encuentro que mi furor por esta película ha disminuido muchísimo con el tiempo, así como lo que alguna vez me pasó, talvez, con el cine de Stanley Kubrick.

“Lost Highway” o “El Lado Oscuro del Camino” sigue siendo una película grandiosa, potente, misteriosa y parcialmente indescifrable. Inspirado inconscientemente en el famoso y controversial juicio de O.J. Simpson, según reveló hace algunos años, Lynch, quien co-escribió el guión con Barry Gifford, presenta una historia de Fred Madison, un saxofonista de jazz con aparente disfunción eréctil y una esposa demasiado enigmática, sexy y posiblemente infiel, o al menos esto es desde la paranoia de su marido. Impresionante cómo la trama continúa a un ritmo muy extraño que hace pensar que uno lleva menos metraje, pero al ver los dígitos en el DVD ya ha pasado casi la hora de filme. Unos extraños videos comienzan a aparecer fuera de la casa, perturbando a la pareja. Cuando llegan los detectives de la policía, Fred les dice que a él le gusta recordar las cosas a su manera, razón por la cual no poseen una cámara de video.

Luego, así como en “La Metamorfosis” de Kafka de pronto un hombre despierta convertido en un insecto, en el filme de Lynch, abanderado del surrealismo moderno ahora mutado en terror y misterio, Fred Madison se convierte en Pete Dayton, un mecánico de 24 años, de la noche a la mañana, causando el desconcierto tanto de personajes como de espectadores. Talvez aquí tenga algo de sentido revisar las influencias de Lynch, entre las cuales, por supuesto, se encuentra Luis Buñuel. El realizador español culminó su carrera con la fantástica “Ese Obscuro Objeto del Deseo”, en la cual hace uso de dos actrices diferentes para interpretar al mismo personaje, representando dos aspectos de la personalidad de Conchita, aquella “Lolita” que traía loco al personaje de Fernando Rey. Probablemente aquel filme haya permeado de alguna manera en el guión de Lynch y Gifford, quienes presentan una mutación/reemplazo sin dar explicación alguna, algo que no debería causar demasiado conflicto en los que conocen ya la obra del director, dígase especialmente “Mulholland Dr.”, “Eraserhead”, “Blue Velvet” o la serie “Twin Peaks”. Aquí voy a plantear que no sé qué influencia recíproca puedan tener los filmes de Lynch en la saga de videojuegos “Silent Hill”, a ver si alguien quiere comentar al respecto…

Para mí, ver de nuevo esta película fue así como una pequeña revelación. Obviamente no soy el mismo que cuando la vi por última vez, y en esta ocasión la encontré un poco (sólo un poco) afectada por el tiempo, pasada de época. El discurso y las sensaciones que nos llegan a través de las bellas y/o desconcertantes imágenes que el director plantea siguen siendo potentes, únicas e increíbles. Lynch sabe plantear ciertas escenas con sus diálogos y pausas para crear tensión y misterio en cualquier circunstancia, además de presentar personajes perturbadores como los interpretados por Robert Loggia (Mr. Eddy o Dick Laurent) y Robert Blake (el hombre misterioso, mi personaje favorito), éste último, curiosamente, también fue a juicio tras haber asesinado a su esposa (luego fue absuelto).

Las actuaciones nunca han sido un gran reto para el realizador, que además utiliza arquetipos en los que basa a la mayoría de sus personajes. Bill Pullman y Patricia Arquette cumplen interpretando uno de los mejores papeles de sus respectivas carreras. No podría faltar Jack Nance, aquel actor no demasiado bueno pero que continuamente apareció en filmes (y series de televisión) de Lynch y que interpretara a Henry Spencer en “Eraserhead”. Y como es costumbre, el director utiliza para papeles secundarios o cameos a ciertos músicos, en este caso tratándose nada más y nada menos que de Marilyn Manson y Jeordie White (mejor conocido como Twiggy Ramirez). Ambos también aparecen en el soundtrack junto a Smashing Pumpkins, Lou Reed, Rammstein y Trent Reznor, algo que, por cierto, hace sentir por momentos al filme un tanto noventero y con testosterona de sobra. Cabe decir que fue precisamente a través de este soundtrack que llegué a conocer la obra de Lynch, hace un buen de años.

8 de 10. Ha caído unos cuantos peldaños talvez por verla unas cuantas veces ya. Aún así, material obligado de estudio.

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