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197. Masculin Féminin

Masculin Féminin: 15 faits précis. 1966

Jean-Luc Godard

Godard sabía escoger a sus actrices


Otra crítica retrasada, pero el hecho de que al día de hoy, cerca de dos semanas de haber visto la película, sólo recuerde algunos planos magníficos con rostros de mujeres her-mo-sas y en-can-ta-do-ras tiene que significar algo. Recuerdo haber pensado de esta obra de Godard que varios segmentos están muy dispersos, con elipsis muy atrevidas que sugieren el paso del tiempo y eventos aparentemente relevantes en la trama que simplemente el realizador francés no nos muestra, sólo los menciona como cosas que ya pasaron y que quedaron entre un corte y otro.

El rostro de Chantal Goya es una obra de arte por sí misma, y los mejores planos de todo el filme se sustentan en el encanto de su mirada y el misterio de su sonrisa, pero el resto del metraje se confunde, talvez intencionadamente, entre relatos y un retrato que se percibe como auténtico de una juventud decepcionada, radical y confundida, misma que Godard bautizó como “los hijos de Marx y Coca-Cola”.

En ocasiones, ciertas escenas parecen entrevistas hacia uno de esos individuos, en los cuales el director aguanta el plano sobre un personaje mientras éste se abre ante una serie de preguntas hechas fuera de plano, que lentamente van sumando 15 perspectivas o filosofías acerca de la vida en general y de las relaciones amorosas en específico para parecer más bien un documental falso de estudios sociológicos, con la magia del idioma francés, que todo lo vuelve más poético e ideológico.

7 de 10.

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70. Blowup

Blowup. 1966

Michelangelo Antonioni

Tres grandes nombres: Michelangelo Antonioni, Julio Cortázar y Herbie Hancock

“Blowup” es considerada una película mítica, que no sólo constituyó el primer filme de Antonioni en un idioma ajeno al suyo, sino que también se vio marcada por la participación del jazzista Herbie Hancock en casi la totalidad de la música que aparece en ella, está inspirada en un cuento del argentino Julio Cortázar titulado “Las Babas del Diablo” y aparecen en ella los músicos Jimmy Page y Jeff Beck, además de tratarse de una muy buena película, por supuesto.

El filme retrata el espíritu mod a través del personaje de un fotógrafo de moda, un histriónico David Hemmings, que accidentalmente se ve involucrado en la trama de un asesinato que fotografió en un parque sin darse cuenta de ello. La vida del fotógrafo, de nombre Thomas, es la de un rockstar total: mujeres bellísimas rondan continuamente por su estudio y él se da el lujo de tratarlas como empleaduchas, además se toma la vida a un ritmo despreocupado y con actitud errante, vagando por las calles de Londres buscando inspiración (algo que me hace recordar ciertos personajes emblemáticos como de Marcello Mastroianni o Jean Paul Belmondo). Es así que Thomas llega a un parque en donde se topa a una misteriosa pareja a la cual fotografía desde lejos. Cuando la mujer se da cuenta, va en su busca para quitarle el rollo a como dé lugar.

Antonioni acierta con un guión que se siente muy europeo, único, auténtico y no pretencioso, a pesar de que pudiera sentirse que ciertas escenas son algo gratuitas, pero yo prefiero verlo como que la estructura del filme es diferente y no obedece a reglas preestablecidas de escritura de guión. La música de Hancock le sienta muy bien a la cinta, dotándola de una atmósfera joven, artística y definitivamente muy sesentera. El reparto está muy bien también, además los italianos siempre han tenido un tino especial para escoger mujeres de una belleza bastante mística y sumamente sensuales. En esta misma línea, cabe mencionar que la revista americana de cine Premiere Magazine califica a la escena donde el personaje de Hemmings fotografía a la modelo interpretada por Veruschka von Lehndorff (modelo en la vida real) como “el momento más sexy en la historia del cine”. Creo que puedo pensar en un par de escenas a las que yo les daría ese calificativo antes que a esta, pero bueno.

La cinta le valió a Antonioni los Óscars de Mejor Director y Mejor Guión Original además del Gran Premio en el Festival de Cannes. Y aquí en 365diasdecine.com le damos un 9 de 10.

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Prueba 3. What’s Up, Tiger Lily?

What’s Up, Tiger Lily? 1966

Woody Allen

¿Éste es el filme que empezó el laugh affair de los E.U. con Woody Allen?

Al leer semejante afirmación en la portada, mis expectativas se elevaron. No pensé que fuera una película que iba a quitar casi a la mitad, pero debo confesar que la primera parte de la filmografía de Woody Allen casi no me gusta. Creo que su verdadera maestría comienza a partir de “Annie Hall”, y filmes como “Bananas”, “Sleeper”, “Todo lo que quiso saber acerca del sexo (pero tenía miedo de preguntar)” y la película en cuestión, contienen un humor muy básico, estúpido y aún sin desarrollar. Es lógico, pues, que alguien que, por cierto, puede presumir la increíble marca de estrenar una película al año desde 1982 (año en que estrenó “Comedia de una noche de verano”), se haya tardado en encontrar un estilo propio y dominarlo, algo que Woody Allen ya ha logrado, quien además se ha reinventado desde su etapa en Londres, donde hizo “Match Point”, “Scoop” y “El Sueño de Cassandra” (sólo está última no he visto).

“What’s Up, Tiger Lily?” es la primera “película” de Woody Allen, donde toma la película “International Secret Police: Key of Keys”, elimina el sonido y lo dobla, creando una nueva historia sobre las imágenes ya editadas, una trama ridícula (lo cual está bien, es comedia) pero muy poco interesante. Lo interesante está más dentro del experimento (el cual talvez pudo dar como resultado películas como “Kung Pow: Enter the Fist”) pero como filme de comedia no trasciende y hasta aburre, al punto de que yo ya no podía ver más, algo que casi nunca me pasa, por más mala que esté la película.

Sin haberla visto completa, no puedo dar una calificación. Aún así, pienso que Woody Allen es de los mejores directores de cine que aún viven, y a sus 74 años, ni quién lo pare…

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