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249. Del Perdón al Olvido

Life During Wartime. 2009

Todd Solondz

Las mismas obsesiones, diez años después


Fui el día de ayer a la Cineteca y me la pasé muy bien. Mis palomitas, mi refresco y mi hotdog me costaron en total 45 pesos, y el boleto otros 40. Fuera de que las butacas no tienen para poner los vasos y la copia de la película por momentos mostraba cierto deterioro, todo lo demás fue bastante agradable, hasta la presencia de una chica hermosa en la sala, una desconocida que creo haber visto antes. Digo todo esto porque iba con la idea que ver un filme de Solondz es echar la mano al aire. Te puede tocar una película divertida como “Happiness” o una sumamente malviajante como “Palíndromos”.

Precisamente este filme retoma de cierta manera a los personajes que vimos en “Happiness” para perpetuar su sufrimiento un rato más, aunque de forma algo entretenida. El director sigue buscando el origen de su obsesión por la sexualidad (más específicamente el incesto y la pedofilia) y finalmente parece haberlo encontrado esta ocasión, dando en pantalla y a través de escenas fuertes, interesantes y hasta cierto punto graciosas, las explicaciones que pudieron faltar (o no) en sus filmes anteriores.

Este tipo de filmes de Solondz me recuerdan un poco tanto a cintas de Woody Allen por sus personajes obsesivos y la forma en que estos están presentados, otras de Noah Baumbach por casi los mismos motivos, aunque enfocado más bien a tramas familiares, y en el caso de “Life During Wartime”, a una de las obras maestras de los hermanos Coen, “A Serious Man”. Supongo que algo tendrá qué ver que todos son judíos.

“Life During Wartime” presenta un entramado familiar en el cual cada uno tiene certezas, miedos y obsesiones casi en la misma dosis. Está la madre que intenta proteger a su hijo del trauma que le puede generar a éste el saber que su padre es un pedófilo convicto, está la mujer frágil que se pone en pie de cañón con un novio exconvicto depresivo, pervertido y suicida, y finalmente está la escritora exitosa, paranoica y ególatra que se está follando a Keanu Reeves. Las tres hermanas intentan hacer sus vidas, hasta cierto punto aspirando a la normalidad, como el punto más alto al que pueden aspirar después de tantos años tormentosos llenos de malas decisiones.

Algunos personajes resultan muy molestos, seguramente a propósito. Pero el guión imprime varios momentos cargados de ingenio para la ironía, la parodia humana y la sátira social, que sin duda enriquecen mucho el filme y lo hacen algo digno de ver.

8 de 10.

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243. Machete

Machete. 2010

Ethan Maniquis, Robert Rodriguez

Cambiando la guitarra por el machete


Ya todos o casi todos sabrán que “Machete” es una película que nació de un trailer falso incluido en la película “Grindhouse”, una doble presentación por parte de los secuaces Tarantino y Rodriguez, ambos muy enfocados en glorificar el cine serie B.

Sin otras pretensiones que las de divertir, entretener y reírse de su propia cultura, Rodriguez nos presenta su más reciente flick que co-dirige con su editor de toda la vida, Ethan Maniquis, con una trama sencilla y hasta cierto punto repetida que sirve de parodia en parte hacia los cientos de filmes de acción que se toman muy en serio sus guiones vacíos, pero también hacia sus mismas creaciones, dígase la saga Mariachi. El director nacido en Texas sabe perfectamente a lo que le está tirando y conoce muy bien su juego. En realidad, el personaje de su sonada ópera prima no dista mucho del que hoy presenta en la emblemática figura de Danny Trejo, al cual por fin se le cumple el sueño de protagonizar un filme interpretando a este recurrente personaje, que al parecer también ha salido en la saga “Spy Kids”. La verdad no pienso corroborarlo por mi cuenta.

Me imagino que Rodriguez ha de ser un personaje muy carismático, y que poco ha cambiado en su forma de ser, de rodar y de soñar desde que comenzó su carrera. De esta manera, me imagino, consigue tener nuevamente un reparto de súper lujo. Yo creo que los demás actores le siguen el juego y simplemente se divierten con sus ocurrencias, burlándose de su misma profesión, sobreactuando, caricaturizando y demás. Es así que “Machete” podemos ver a Robert De Niro, Jessica Alba, un rescatado pero graciosísimo Steven Seagal en su primer papel de villano, una Michelle Rodriguez que se ve mejor que nunca, una Lindsay Lohan en un rol que le queda muy bien, Cheech Marin y, por supuesto, Danny Trejo. Se sabe que Chris Cooper rechazó un papel que le ofrecían por considerar el guión “lo más absurdo que he leído”. Todo está en saber ver el juego, pero esta habilidad del director es algo realmente destacable, sea cual sea su método de reclutamiento.

La verdad es que el filme tiene muy buenos gags, algunas buenas escenas de acción, y cumple perfectamente su objetivo de divertir mofándose de las películas del género.

8 de 10.

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242. Scott Pilgrim vs. the World

Scott Pilgrim vs. the World. 2010

Edgar Wright

Napoleon Dynamite + The Strokes + videojuegos arcade


Después de ver esta película lo primero que se viene a la mente es: “¡Qué cool!” Tenía mis dudas acerca de esta película, sobre todo porque es protagonizada por Michael Cera, y ese chico ya está muy encasillado en cierto tipo de personajes. Si bien aquí no sale demasiado de ese arquetipo que se le ha impuesto papel tras papel, la película tiene tantos elementos buena onda que es muy difícil que a alguien de menos de 30 años no le guste, sobre todo si para los amantes del rock alternativo o Indie y los videojuegos arcade. La película está basada en una novela gráfica de reciente creación con referencias a grupos de rock alternativo como The Smashing Pumpkins o a videojuegos como Ninja Gaiden.

Plagada de efectos de impecable factura que emulan el mundo de  este tipo de videojuegos vintage, una muy buena selección musical que incluye a The Rolling Stones, Broken Social Scene, Metric, Nigel Godrich (productor de Radiohead) y Beck, quien también compuso la genial música que interpreta la banda Sex Bob-omb en la película y una edición de audio realmente espectacular que toma samples prestados de diferentes juegos de Nintendo (incluso el director le escribió a la compañía de videojuegos solicitándoles el permiso para utilizar los efectos de sonido de juegos como The Legend of Zelda), la película es un verdadero regalo, una pequeña joya para cierto tipo de público que oscila entre geeks, gamers, rockeros y todos aquellos que se desquitan con la música moderna, con las típicas actitudes juveniles y demostraciones de indiferencia.

La película trata sobre un tímido bajista de un grupo de rock que se enamora de una chica que tiene una buena cantidad de ex-novios/as molestos, a los que tendrá que vencer uno por uno en una serie de enfrentamientos tipo Street Fighter o similar si es que al final quiere quedarse con la chica.

El reparto es genial, y no podría haber otro actor mejor para el rol de Scott Pilgrim que Michael Cera, salvo, quizá, por el tipo que interpretó hace unos años a Napoleon Dynamite. Además, se agradecen mucho las presencias de Kieran Culkin, Alison Pill, Mary Elizabeth Winstead (looking really hot!) y, por supuesto, Jason Schwartzman y Chris Evans.

“Scott Pilgrim vs. the World” es sumamente actual, visualmente impresionante y auditivamente poderosa. En resumen, tiene mucha energía. Indispensable verla con buenos decibeles y buena calidad de imagen. Para recordar aquello que nos hace adolescentes.

8 de 10, and stuff… ¡Ojalá haya una secuela!

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241. The Fall

The Fall. 2006

Tarsem Singh

“Baraka” con elementos de ficción


Todo pintaba para un 10 de 10. Un comienzo espectacular con tomas en blanco y negro a cámara lenta, una fotografía impecable y repleta de arte, rodada en 18 diferentes países (algunos dicen que fueron 24) con locaciones impresionantes, un diseño de producción cuidado hasta el último detalle y, por último, presentada por Spike Jonze y David Fincher.

El hindú Tarsem Singh, quien había realizado previamente “The Cell” y que se ha hecho una fama dirigiendo videos musicales como “Losing My Religion”, de REM, y comerciales para Levi’s, Nike, MTV, NFL, Vodafone, Absolut, Mountain Dew, MasterCard, Coca-Cola, Gatorade, Pepsi, Audi y un largo etcétera de marcas poderosas, financió su película él mismo, aprovechando los viajes que tenía qué hacer para filmar spots en distintas partes del mundo y escogiendo sus proyectos según los que lo dejaran lo más cerca de la locación en la que quería filmar.

Contando con puros actores poco o nada conocidos, además de una niña rumana de 6 años que no sabía siquiera hablar inglés y tenía qué aprenderse sus líneas fonéticamente, Singh entrega una película conmovedora y visualmente perfecta, llena de arte y belleza sólo equiparables con la que uno encuentra en el documental “Baraka” (1992), con la que además comparte una ambiciosa labor de producción y un par de escenas muy parecidas. Para desgracia de todos, tanto los que participaron haciendo esta película como los que la vemos, en algún momento la trama se pierde y se diluye entre analogías del dolor y la autodestrucción del personaje principal, haciendo algunos trámites rumbo al clímax y desenlace un tanto tediosos…

La cinta está ambientada en un hospital en las afueras de Los Ángeles en los años 20’s. Allí, un doble de acrobacias se encuentra en cama producto de una escena que salió mal. Rotos sus huesos y roto su corazón por haber perdido a la mujer a la que amaba, encuentra en una inocente e imaginativa niña su aliada para buscar acabar con su miserable vida. A cambio de relatos fantásticos, la niña deberá conseguirle las drogas que necesita para acabar con su dolor…

Pues ya lo ven, hacer comerciales sí deja dinero, y mucho. Lástima que teniéndolo todo tan cerca para realizar una película perfecta, algo falló. Tampoco puedo evitar pensar que esta película tiene ciertos elementos parecidos a mi corto “El Problema”. Talvez debería demandar a Tarsem, jeje.

8 de 10 por esos 20 minutos que le sobran.

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239. Winter’s Bone

Winter’s Bone. 2010

Debra Granik

Magníficas actuaciones y reparto


Creo que las dos cosas más importantes que uno como director tiene qué tener a su disposición antes de comenzar a filmar cualquier cosa de ficción son un buen guión y buenos actores. La fotografía, el diseño de producción y otras cosas adicionales pueden ser simplificadas, reemplazadas, intencionalmente saboteadas o simplemente mal realizadas, pero si los dos elementos antes mencionados tienen la fuerza suficiente, la película terminará por triunfar. Con esto no quiero decir que en “Winter’s Bone” fallen los aspectos técnicos, pero la película parte de una base muy sólida con una cautivadora trama y unas actuaciones soberbias. Alguien hizo un magnífico trabajo de casting y selección de reparto.

Con su segundo largometraje, la norteamericana Debra Granik nos trae una interesante historia acerca de una joven de 17 años que tiene que trabajar para sostener a su familia mientras busca a su prófugo padre, quien tiene que presentarse en una audiencia en la corte, porque de otra manera perderán la casa en la que viven. El filme, basado en la novela homónima de Daniel Woodrell, está ambientado en un pequeño poblado de los Estados Unidos, una especie de Twin Peaks versión white-trash y plagado de laboratorios de metanfetaminas.

Con las recientes nominaciones a los Óscar, la película recibió nominaciones por Mejor Película, Mejor Guión Adaptado, Mejor Actriz Principal y Mejor Actor de Reparto, todas ellas muy merecidas, principalmente para Jennifer Lawrence. Los críticos no han hecho más que adular el filme, yo me enteré de su existencia porque alguien me lo recomendó en Twitter y no tenía expectativas acerca de él, así que me llevé una grata sorpresa, pero ni siquiera cercana a la que me llevé con ver “Catfish” un poco más tarde…

8 de 10.

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233. Sangre por Sangre

Blood In, Blood Out. 1993

Taylor Hackford

La película épica sobre mexicanos en Estados Unidos


Bien, pues finalmente vi esta película que mi vecino me había recomendado varias veces y lo tuve qué hacer de la manera en que él me dijo: doblada al español. El doblaje de “Sangre por Sangre” es quizá el peor y a la vez el mejor que he visto, la verdad no me arrepiento de haberla visto así. Ya que muchos personajes son de origen latino, en el doblaje y traducciones se hace un verdadero desmadre que ningún mexicano no puede evitar reírse por la mezcla de acentos, frases que suenan rarísimas y demás.

Con todo y todo, la cinta es para los chicanos y mexicanos del este de Los Ángeles lo que las cintas de Scorsese son para los inmigrantes italianos o lo que “Scarface” pudo haber sido para los cubanos exiliados en Miami, aunque desgraciadamente no tiene el nivel de factura de ninguna de éstas. “Sangre por sangre” habla de muchísimas cosas, como queriendo abarcar todos y cada uno de los temas y problemas inminentes a la migración, al racismo, a la violencia de pandillas, a tragedias en las familias, a los excesos en el arte, las drogas, la pelea por el honor y un largo, largo etcétera. Esto podría ser un error, pero de alguna manera la película se sale con la suya porque entre que es una cosa o es la otra se mantiene entretenido e interesado al espectador, sobre todo a través de unos personajes con arcos de transformación muy interesantes y dramáticos.

Basada en las experiencias reales del poeta y escritor Jimmy Santiago Baca, la cinta se centra en el personaje de Miklo (Damian Chapa) un americano rubio y de ojos azules de padre estadounidense y madre mexicana que por su mezcla no encuentra lugar en un entorno dominado por la guerra entre las pandillas Tres Puntos y Vatos Locos. Buscando probarse ante sus familiares y amigos, principalmente ante sus primos Cruz (Jesse Borrego, que le da un aire a Gael García Bernal) y Paco (Benjamin Bratt), Miklo mata casi accidentalmente al jefe de la pandilla rival en un enfrentamiento y va a prisión. Entonces la vida de cada uno de ellos toma rumbos muy distintos. Miklo sufre una radical e interesante transformación que lo lleva a colocarse como el jefe de una nueva y poderosa organización criminal (verdaderamente este personaje nos podría dar algunas pistas de cómo alguien llega a transformarse en un peligroso líder), mientras que Cruz se convierte en un artista con problemas de drogadicción y su hermano Paco en un destacado detective antinarcóticos de la policía. Un interesante discurso nos habla de la sangre y la hermandad más allá de los pecados y errores de cada uno, un dilema bastante difícil de sortear… Lo que alguna vez fuiste contra lo que crees que es correcto ser, por lo que siempre has luchado y lo que no puedes evitar ser si creces en un ambiente tan hostil.

Aunque a veces el exagerado drama presentado parece de telenovela, impresión ayudada por unas actuaciones regulares, este filme es emblemático, fuerte y sin duda representa la más cercana aproximación en el cine a la cultura chicana hasta el momento, razón suficiente para echarle un ojo.

8 de 10, ese.

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232. Twin Falls Idaho

Twin Falls Idaho. 1999

Michael Polish

One of a kind


Hace mucho que tenía curiosidad de ver esta película, supongo que algo me llamaba la atención del título porque realmente no sabía nada más de ella. Incluso, sinceramente cuando la renté, pensé que era de Gus Van Sant, y durante un buen rato de estarla viendo no se me dio la impresión de estar equivocado. El filme tiene en general esa cualidad que resulta de un ritmo pausado donde las acciones de personajes cansados, deprimidos y herméticos parecen más bien “no-acciones”, refiriéndome a que en ellos muchas veces es más lo que se dice con lo que no hacen que con lo que sí deciden hacer, algo que también suele verse en los filmes de Jim Jarmusch, por ejemplo.

Pero lo que me encontré finalmente cuando los créditos finales aparecieron fue mucho más interesante. Dos hermanos gemelos actúan como guionistas de la cinta que ellos mismos estelarizan y que uno de ellos dirige. Michael y Mark Polish interpretan a unos tímidos gemelos siameses que se encuentran recluidos en la habitación de un deprimente hotel en donde celebran su cumpleaños con un pastel y con la compañía de una prostituta, que primero huye al descubrir la condición de sus clientes pero luego regresa porque ha olvidado su bolso, y entonces es cautivada por la peculiar personalidad de estos personajes.

Por supuesto, la cinta se presta para plantear ciertas interrogantes naturales e inminentes al tema y cuando éstas llegan el guión las resuelve muy bien, sin llegar a ser cheesy. El espectador sabe que está viendo algo auténtico, y en gran parte de la película uno no sabe qué tan real es lo que se está presenciando (sobre todo en el tema de los actores). El guión sabe dosificar las acciones y los momentos para hacer en el instante justo las preguntas que todos tendríamos qué hacerle a unos siameses, y la filosofía y simbolismos que se manejan terminan de construir un filme interesante, aunque haya por ahí un par de analogías no sé si demasiado buscadas o demasiado simples, como la de los palillos chinos… El título de la película está basado en el lugar mostrado en la fotografía.

Los tres actores principales están geniales en sus personajes, aunque sobre todo destacan los gemelos Polish por la autenticidad, complicidad y expresividad que reflejan. Con un presupuesto de medio millón de dólares, creo que pueden estar muy contentos con los resultados de su filme, que sin duda los colocó en la mira de la industria cinematográfica independiente.

Desde entonces, Mark Polish sigue ayudando a su hermano con los guiones y apareciendo como actor en varios filmes, mientras que Michael está próximo a estrenar su sexta película como director, y su filmografía incluye los títulos “Northfork” y “The Astronaut Farmer”.

No sé por qué me está costando últimamente encontrar títulos en español para las críticas, a veces hay frases en inglés que pierden su fuerza al ser traducidas…

8 de 10.

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