Archivo mensual: septiembre 2010

145. Nine

Nine. 2009

Rob Marshall

Un aceptable y merecido homenaje a Fellini

“Nine” está muy lejos de parecer o emular un filme de Fellini, es más, ni siquiera lo intenta, a pesar de, por supuesto, tener un millón de referencias a los filmes y la supuesta vida personal del realizador italiano, sin duda uno de los más destacados e importantes directores de cine de todos los tiempos.

Éste filme hay que verlo como lo que es: un homenaje a la Broadway hacia una figura emblemática, sabiendo de antemano que nos toparemos con musicales pegajosos y personajes romantizados. Rob Marshall, consagrado en el género musical con “Chicago” (que para mí pasó sin pena ni gloria), ha logrado contar en esta ocasión con un magnífico elenco, empezando por un sensacional Daniel Day-Lewis que casi pierde el papel a manos de Javier Bardem, quien rechazó la chamba alegando agotamiento extremo, y cómo no si parece que está en todas partes.

Day-Lewis interpreta a Guido Contini, alter-ego de Federico Fellini, mientras que la preciosa Marion Cotillard aparece como Luisa (a su vez alias de la excelentísima Giluetta Masina, esposa del director). El reparto lo completan Penélope Cruz, Spohia Loren, Kate Hudson, Nicole Kidman, Judi Dench (una de las mejores en su papel junto a Penélope Cruz) y hasta Stacy Ferguson, mejor conocida como Fergie. La cinta transcurre entre historias de amor y engaño, conflictos entre el ego de Contini como figura central inflada y reventada al mismo tiempo por los medios y la gente por la que continuamente se ve rodeado, procesos creativos y destructivos, así como otros aspectos inherentes a la producción cinematográfica, un oficio que consume a sus principales exponentes.

Las actuaciones están bastante bien, los números musicales, si bien no soy muy fan del tipo de música que se maneja en el filme, están bien logrados, con coreografías y sets bien preparados. La película resulta interesante y nuevamente Day-Lewis aporta su gran talento para hacer que toda la historia se mantenga y gire en torno a su personaje.

8 de 10.

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144. Coraline

Coraline. 2009

Henry Selick

¡Toma eso, Burton!

“Coraline” es una película entrañable, ingeniosa, entretenida y cómica, muy bien realizada (en una mezcla de animación stop-motion y 3D) y aún mejor musicalizada, con una mezcla perfecta de elementos de terror y comedia, así como unos personajes bien delineados, afables e interesantes.

Basado en la novela del mismo nombre a cargo del inglés Neil Gaiman (a su vez también involucrado también en proyectos cinematográficos y televisivos), el filme estuvo nominado al Óscar a Mejor Filme Animado el año pasado, distinción que finalmente se quedó “Up” en una pelea demasiado reñida para mi gusto y que creo que la ganadora se llevó más por popularidad que por calidad. La película tiene su base en un guión interesante, si bien no demasiado original, pero está aderezada con un estilo de la escuela de Tim Burton: un aura de misterio, estética oscura y expresionista y personajes caricaturescos, entre otras cosas. Precisamente fue Selick quien dirigió “Pesadilla Antes de Navidad” y “James and the Giant Peach”, así que no es ninguna coincidencia. Pero Selick tuvo a bien contar con una genial y enigmática música compuesta por el francés Bruno Coulais que le aporta un sinfín de emociones a las imágenes y que cumple diferentes muy funciones a las composiciones de Danny Elfman.

Creo que este punto merece mención aparte: el soundtrack de “Coraline” es un claro ejemplo de lo que se puede lograr con la música correcta, que hasta tiene los mismos colores, las mismas pautas, el mismo estilo que los planos, y nos describe perfectamente una atmósfera, un sentimiento, un mundo cerrado y claustrofóbico donde habita Caroline, perdón, Coraline. Coulais, quien también destacó con las bandas sonoras del documental “Microcosmos” y del largometraje “Los Coristas” contó con la participación del Coro de Niños de Niza, los cuales profieren palabras inventadas, de un lenguaje ficticio.

“Coraline” probablemente ha de haber hecho que Tim Burton hiciera unos cuantos berrinches por no haberse involucrado en este proyecto, que a su vez tiene varias similitudes con las novelas de Lewis Carroll, recientemente destrozadas en la pantalla grande por el creador de “Edward Scissorhands” y “Beetlejuice”.

9 de 10.

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143. Kicking and Screaming

Kicking and Screaming. 1995

Noah Baumbach

El debut de Baumbach; demasiado snob

Hace unos 15 años Noah Baumbach estrenaba su primer película, a la edad de 25 años. El estadounidense presentaba a un grupo de jóvenes recién graduados a los cuales les resulta demasiado complicado decidir su siguiente paso ahora que han terminado sus estudios.

Con un elenco de actores desconocidos (salvo por Eric Stoltz, aquel que estuvo a punto de ser Marty McFly), el director presenta a una serie de personajes confundidos, necios, arrogantes, temerosos, chiflados y, en fin, blancos de clase alta. Las conversaciones entre ellos a veces son tediosas y demasiado snob, con muchas referencias culturales presentes, pero dentro de todo la historia logra mantenerse con ciertos (pocos) toques cómicos y dramáticos que logran crear una representación fidedigna del tipo de sociedad que se está queriendo retratar. Talvez en algún momento Baumbach se sintió como uno de ellos, pero para alguien ajeno a este tipo de círculos sociales los personajes pueden resultar apáticos.

Hace un par de años vi “Metropolitan”, un filme poco conocido, de temática parecida pero mucho mejor que el debut de Baumbach, quien ha crecido muchísimo para llegar hoy en día a entregar algo como “Greenberg”. Aquel filme, de un desaparecido Whit Stillman, también retrataba a una juventud de clase alta (en este caso neoyorquina), pero con un estilo más pulido y manejando mejor una temática similar. Baumbach aquí sí se percibe como novato, alguien a quien le cuesta darse cuenta de que algunas cosas habría que haberlas quitado o mejorado para hacer un mejor filme. En fin, es mi opinión.

6 de 10.

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142. Tokyo Story

東京物語 Tōkyō Monogatar. 1953

Yasujiro Ozu

La obra maestra que me hizo dormir

Una de las películas que cuenta con la mejor calificación de todos los tiempos en Rotten Tomatoes, también considerada como la obra maestra del director japonés Yasujiro Ozu, me hizo dormir unas cuantas noches seguidas, resultando mejor que cualquier somnífero. En verdad hice un esfuerzo por tratar de terminar de ver esta película, y al final lo hice para constatar que, aunque rumbo a la hora de metraje finalmente el director introduce algo de drama (o conflicto, pues), lo único que me dejó este filme es poder decir que lo vi, además de un número más en las 365 críticas, con las que, por cierto, voy ya muy pero muy atrasado.

“Tokyo Story” es aclamada por muchos críticos que la consideran una de las si no que la mejor película jamás realizada. A mí me resulta una historia demasiado costumbrista y lenta a más no poder con un avance argumental realmente ridículo en la primer hora de metraje, en la cual los personajes, cuando interactúan, se dedican a parlotear de cosas sin interés al punto de resultar nauseabundos y aburridos, pues las conversaciones abundan en la formalidad y la cortesía, haciendo interminable diálogos poco interesantes, como si fueras a casa de la abuela de alguien que apenas conoces y te dejaran en la sala con dos señoras que hace rato que no se ven y se están poniendo al tanto.

La trama se centra en una pareja mayor que reside en una pequeña aldea y que de pronto decide visitar a los hijos que tienen desperdigados en Tokio y Osaka. Al principio todo va “bien”, pero poco a poco los viejos se van dando cuenta de que están incomodando a sus ocupados hijos con su visita, por lo que deciden regresar a casa, entonces la madre se enferma de gravedad.

Las actuaciones, de acuerdo al planteamiento de personalidad y tono que el director quiso aportarle a sus personajes, para mí llegan a ser molestas, pero esto no quiere decir que no resulten verosímiles.

5 de 10. No sé si me faltó “algo de ver” en ella, pero en todo caso no será algo que cambie mucho mi opinión.

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141. Mary and Max

Mary and Max. 2009

Adam Elliot

Simplemente INCREÍBLE

Hasta hace poco mi película de animación favorita era “Coraline”, pero entonces llegó esta co-producción de estadounidense/australiana y me hizo totalmente añicos, robándole el sitio a la anterior.

Hace un tiempo ya mi amiga Rous hizo la crítica de esta película, y desde entonces había despertado mi curiosidad hacia ella. Hoy en día le agradezco muchísimo la recomendación.

“Mary and Max” es una historia de amistad entre dos personas solitarias y hasta cierto punto similares, a pesar de que se trata de una niña australiana de 8 años y un judío neoyorquino obeso y depresivo en sus cuarentas. Por iniciativa de ella, ambos comienzan a enviarse cartas por correo durante un largo tiempo, creando un extraño y peculiar lazo entre ellos, mientras vamos conociendo el desarrollo de sus vidas, las cuales corren paralelas, cruzándose sólo en instantes.

Personalmente afectado por la temática y una trama demasiado enternecedora, debo confesar que la película tocó muchas de mis fibras, y a pesar de que es algo oscura (tanto en estética como en tratamiento de los diferentes temas y personajes), sigue siendo increíblemente disfrutable y sería una pena no darse una oportunidad para verla. Alguna vez escuché en una conferencia en Marco con alguien de Pixar que alguien le hizo una pregunta al expositor acerca de por qué la compañía californiana no hacía películas de animación para adultos. Entonces el ejecutivo dijo que era una buena idea, pero parece que ahora se les han adelantado. “Mary and Max” toca temas como la soledad, el fracaso, el alcoholismo, la pérdida de la fe, el suicidio, la depresión, la ansiedad y otros desordenes sociales como el síndrome de Asperger. A pesar de su tono algo sombrío u oscuro, se trata de un filme bellísimo y muy conmovedor.

Dirigida por el australiano Adam Elliot, quien ganó con su corto “Harvey Krumpet” el Óscar a Mejor Cortometraje Animado en 2004, la película tiene un estilo de animación con plastilina que le queda perfecto a la historia y le añade ternura a los personajes, quienes probablemente, de hacer sido actores reales, no hubieran sido tan empáticos. Las actuaciones de voz, muy bien ejecutadas, por cierto, corren a cargo de Toni Collette, Phillip Seymour Hoffman, Barry Humphries y Eric Bana.

10 de 10.

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140. Limits of Control

Limits of Control. 2009

Jim Jarmusch

Jarmusch visita España

Puede que a muchos no les guste Jim Jarmusch, pero sin duda el creador de filmes como “Broken Flowers”, “Ghost Dog”, “Dead Man”, “Night on Earth” o “Mystery Train” tiene un estilo y un lenguaje muy particular, auténtico y único, aún con las referencias a otros grandes del cine como Godard, Hitchcock o Welles.

En “Limits of Control”, Jarmusch nos presenta a un enigmático y solitario agente que recorre España en busca de alguna misión de objetivos crípticos mientras conoce a una serie de individuos igualmente extraños que parecen pertenecer al mismo bizarro y extravagante microcosmos del cual proviene el agente de raza negra, “interpretado” (y lo pongo entre comillas porque el personaje tiene durante un 90% del metraje la misma expresión) por el actor marfileño Isaach De Bankolé.

Con una edición muy fiel a su estilo, Jarmusch logra crear una atmósfera cerrada y enrarecida, pero algunos de los aspectos que el director quiere forzosamente incluir en su personaje central resultan un tanto ridículos, como el hecho de que el tipo nunca duerma, que siempre use la misma ropa, así como la misma expresión en su cara, y varias extravagancias más que sirven para darle más interés al personaje, pero aparentemente aportan poco significado.

El filme cuenta con una gran y destacada lista de actores secundarios, entre los que se encuentra nuestro compatriota Gael García Bernal, así como Tilda Swinton, Bill Murray y John Hurt.

Un saludo a mi amiga Zayra, fue agradable verla en la escena del club madrileño, recuerdo cuando estaba en Madrid y todo mundo me decía que se estaba filmando esta película, ahora es muy agradable ver todos estos sitios que tantas veces recorrí, principalmente Malasaña. Cómo jode que los extranjeros sepan sacarle más jugo a las locaciones que uno mismo como habitante de tal ciudad.

Mención aparte a una magnífica fotografía y a una construcción de planos cuidadísima y de interesantísimas propuestas.

8 de 10.

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139. Arrástrame al Infierno

Drag me to hell. 2009

Sam Raimi

Raimi deja los superhéroes y regresa a lo suyo

Luego de ganarse unos cuantos millones de dólares con la saga de “Spiderman”, Sam Raimi regresa a lo suyo: el terror. Sin embargo, para la gente que espera ver la típica película de terror (o de sustos, para el caso), va a sentirse decepcionado por “Arrástrame al Infierno”. Raimi es conocido por mezclar mucho humor negro y tratar el género de terror sin tomárselo demasiado en serio, haciendo que varias escenas se posicionen entre la comedia y el terror, algo que desconcertará a algunos.

La película se centra en la historia de Christine Brown, una agente de una oficina de préstamos que, para escalar posiciones dentro de la compañía, busca complacer e impresionar a su jefe y en una oportunidad que se le presenta, niega la prórroga de un préstamo a la señora Ganush, una enigmática gitana que, molesta y humillada, le profiere una maldición a Christine. Entre parodias de personajes, escenas de terror algo exageradas y maltratando al personaje principal un gran número de ocasiones, el también creador de filmes como “Evil Dead” y “Darkman”, hace avanzar una historia entretenida y cómica, logrando su objetivo sin demasiadas pretensiones pero con secuencias bastante bien logradas.

Creo que Allison Lohman, además de estar bastante bien, cumple perfecto en el papel principal y seguramente la estaremos viendo más seguido. Justin Long cumple sólo porque se trata de un filme no muy serio, si no definitivamente estaría algo desubicado. En el reparto también tiene una pequeña participación la mexicana Adriana Barraza, aquella que fuera nominada a los Óscar por “Babel”.

7 de 10.

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