Archivo mensual: julio 2010

132. Away We Go

Away We Go. 2009

Sam Mendes

Sam Mendes intentando ser alguien más

Cuando Mendes estrenó “American Beauty”, prometía mucho más de lo que hoy está entregando. Con “Road to Perdition” no se salió mucho de la línea, aunque sí se “aplacó” más para entregar algo de muy buena factura y políticamente correcto para la Academia Americana. En “Jarhead” también entregó algo bastante digno y en “Revolutionary Road” se hizo más soso y aburrido. “Away We Go”, su última producción, presenta también una historia de temáticas adultas y referente a la familia, pero lo hace con un estilo medio “Indie” que no le habíamos conocido y que no le sale demasiado bien.

Contando con las estrellas televisivas John Krasinski, de “The Office” (versión americana) y Maya Rudolph, de “Saturday Night Live”, Mendes introduce a una pareja que recién descubre que van a ser padres, comienzan a plantearse si están a gusto con la vida que llevan, por lo que realizan un viaje por algunas ciudades aburridas de Estados Unidos y otra más en Canadá donde tienen amigos o familiares, para ver si allí se encuentra el cambio que están buscando.

La pareja conformada por el par de actores cómicos dista mucho de ser cómica y a veces es hasta un poco apática. Ni ellos ni otros personajes secundarios conectan con el público porque siempre les falta algo, principalmente una chispa de ingenio o algo de creatividad para mantener vivos e interesantes a unos personajes que intentan ser “cool” y parecen salidos del universo de Wes Anderson, pero no llegan a tener el color que éste les brinda a los sus personajes (y para el caso, ni la dirección de arte que éste maneja en sus películas). La historia, aunque intenta ser pequeña e intimista, es un poco predecible y carece de emociones. Pocos personajes terminan de enganchar, y debo decir que, a pesar de ser gran fanático de “Saturday Night Live”, creo que Maya Rudolph fue una pésima opción de reparto. Su rostro, si no hace gestos y actúa como idiota, es sumamente aburrido, antipático y hasta feo. Ni Maggie Gyllenhaal ni Jeff Daniels destacan en lo absoluto en un tibio filme que se parece a “Juno” o “Little Miss Sunshine”, pero es menos interesante que cualquiera de los dos.

7 de 10.

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131. Don’t Look Now

Don’t Look Now. 1973

Nicolas Roeg

Una rarísima película de terror que se ha vuelto de culto

Me cuesta mucho trabajo encontrar algún filme similar a “Don’t Look Now” (“Venecia Rojo” en castellano). La película de Nicolas Roeg es presentada como de terror, y a pesar de tener pocas secuencias que clarifiquen el género, el espectador puede percibir una atmósfera pesada y extremadamente desconcertante durante toda la duración de un filme que parece más bien de suspenso.

Roeg hace uso de una rarísima edición y planificación que da mucho protagonismo a algunos detalles que sirven como McGuffins (falsa información que desvía la atención y genera suspenso) y que pega radicales saltos temporales para, nuevamente, confundir a la audiencia. Este tipo de edición, hecha famosa por la escena de sexo incluida, ha sido homenajeada en varios casos, uno reciente es en la película “Out of Sight”, de Steven Soderbergh. Algunos recordarán la escena de amor entre Jennifer López y George Clooney y su peculiar montaje. Tal y como David Lynch lo ha hecho en el último par de décadas, Roeg también utiliza el surrealismo para generar una atmósfera de terror, y hay qué decir que el terror es un género muy noble en este sentido, pues se trata de lo desconocido, entonces muchas cosas inexplicables se valen.

Donald Sutherland y Julie Christie son una pareja inglesa que vive en Venecia, donde conocen a dos hermanas, una de ellas clarividente, que les advierte que tienen que irse de la ciudad, pues su recién fallecida hija la ha contactado para decirle de una fatalidad que le va a ocurrir a él. Naturalmente, esto genera incredulidad por parte del marido, mientras que su esposa insiste en regresar a Londres.

Venecia, además de ser una ciudad bellísima, es perfecta para este tipo de película, por la abundancia de misteriosos y oscuros pasadizos y callejuelas, además de iglesias, puentes y canales, que juegan también un papel importante. Las locaciones le suman muchos puntos al filme, al igual que la confusa narrativa le agrega tensión y expectación mientras que todos los personajes presentados, sin importar qué tan importante sea su papel, parecen estar escondiendo algo, como si todos fueran parte de una misma secta. Interesante…

7 de 10.

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130. Happy-Go-Lucky

Happy-Go-Lucky. 2008

Mike Leigh

La feel-good movie que te hace sentirte molesto

Ok, tengo que ser bien sincero y no sé cómo expresarme de esta película. Por una parte, creo que cumple con el objetivo de no dejarte indiferente, seas quien seas. Creo que más de un par de personas que conozco quitarían la película a los 15 minutos, otros la amarían. Yo, ni la una ni la otra.

“Happy-Go-Lucky” es un filme entre comedia y drama, que se centra sobre un personaje demasiado peculiar en su forma de ser y su comportamiento. La actriz inglesa Sally Hawkins (“Layer Cake”, “Cassandra’s Dream”) interpreta a Poppy, una maestra de 30 años con una actitud exageradamente positiva hacia la vida, que hace pensar en varios momentos que esto no puede existir en la vida real, que algo más sucede, que algo nos estamos perdiendo y no todo es tan bello ni tan bonito, pero ese giro nunca llega y nunca es explicado el origen de su peculiar personalidad y forma de ver la vida.

Poppy es linda, pero llega a ser molesta y en ocasiones hace unas bromas demasiado, demasiado estúpidas, aunque a final de cuentas sale más o menos bien librada como personaje. El filme carece de conflictos y de drama, por lo que parece más un anecdotario de la vida de Poppy (horrible nombre, por cierto) que un filme dramático o de comedia. Es verdad que ciertas anécdotas y personajes son interesantes, entre ellos Scott, el instructor de manejo, o el vagabundo con el que Poppy conversa. Los personajes conversan exageradamente rápido, se contestan como si tuvieran la mente más ágil y lúcida del mundo, haciendo bromas entre ellos cuando el otro aún ni siquiera termina de hablar. Es verdad que la comedia tiene que ser rápida, pero ni Poppy ni sus amigas son los hermanos Marx o Woody Allen, por lo que las respuestas se sienten muy falsas.

Me gustaría haber visto a este personaje mucho más contenido y creíble, con un par de retos reales o conflictos que me hicieran estar más interesado, o por lo menos develar qué hay detrás de un optimismo desmedido, y si éste es real o no.

6 de 10.

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129. La Venganza

The Hit. 1984

Stephen Frears

Una rara mezcla, una agradable sorpresa

No muchas veces se ve una mezcla de géneros como la que se presenta en “The Hit”. La película tiene toques de road movie, tiene algo (poco) de coming-of-age, de drama, de crimen y además elementos filosóficos. El filme está situado en su mayoría en España, principalmente entre carreteras perdidas mientras un par de matones conducen hacia París a Willie Parker, un otrora criminal de origen inglés que hace una década denunció a sus socios en un juicio y que había estado escondido en algún pueblo andaluz hasta la fecha, y a Margarita, una española que, sin deberla ni temerla, se ve inmiscuida en la situación.

Contratados por un mafioso, Braddock (John Hurt) y Myron (un joven pero espectacular Tim Roth, en su primer papel en cine), poco a poco se ven absorbidos por la peculiar y astuta personalidad del hombre que han raptado, algo así como el síndrome de Estocolmo pero al revés. Como es habitual de una road movie, se presentan pocos personajes como un núcleo confinado al espacio de un coche y lo que la carretera va presentando, en este caso tratándose principalmente de obstáculos para los raptores. Lo interesante aquí es ver la diversidad de los personajes y cómo un guión inteligente plantea valiosas aportaciones a la trama de cada uno de ellos, cada uno con un importante y verosímil arco de transformación.

Willie (Terence Stamp) es presentado como un hombre maduro que aparentemente ha llegado a una paz interior producto de tantos años de haber esperado una inminente venganza. Braddock, de la misma edad que Willie, es un criminal frío y callado, del cual vamos descubriendo un poco de su lado humano. Myron, por su parte, es de sangre caliente, y su juventud le hace cometer estupideces que ponen en riesgo el trabajo, además de lo que aporta su simpatía por Willie y la chica. Maggie (Laura del Sol) es una chica ruda e inteligente que se las ingenia para seguir con vida. Es muy agradable ver a Fernando Rey, aquel que fuera actor fetiche de Luis Buñuel, como el jefe de policía, siguiendo el caso y pisándole los talones a los criminales, quienes de alguna forma u otra dejan un rastro de sangre y asesinatos a su paso.

La mezcla de situaciones que se genera entre estos personajes es algo muy rico, que no se ve muy seguido en el cine. Además, el reparto realmente se luce haciéndolo todo muy verídico, muy real. Como dato adicional interesante, Paco de Lucía hace la música y Eric Clapton también participa con la canción que abre el filme.

8 de 10.

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128. White Dog

White Dog. 1982

Samuel Fuller

Oh my dog! Un perro que mata gente negra

“White Dog” es una película muy controversial por el tema que maneja. Para dejarlo claro, se trata sobre un perro de raza pastor alemán que ha sido entrenado para matar a gente de raza negra. Tratar un tema tan peculiar pero también tan delicado le trajo muchos problemas a la Paramount por parte de la NAACP (National Association for the Advancement of Colored People), que amenazaba con boicotear el estreno de la película, entonces los estudios decidieron autocensurar la película hasta que, más de 25 años después de su supuesto estreno, la Criterion Collection tuvo la osadía de comercializarla en DVD, aunque a veces este tipo de discusiones con el tiempo pierden su relevancia, además, seguramente la gente de la NAACP no se molestó en ver el filme en su momento, pues éste no es racista, sino todo lo contrario.

El filme toca difíciles temáticas como el odio y la discriminación racial, el condicionamiento social, las relaciones de los humanos con sus “mascotas” y animales además de la ética que debería involucrar la educación de un animal de compañía que también es capaz y tiene la suficiente fuerza como para asesinar a una persona. Hay algo en algunos filmes de los 80’s que están cargados de audacia y valentía, que presentan sus historias sin tocarse el corazón o querer disfrazarlo como ficción. Se me vienen a la mente “A Wicker Man” y “Rosemary’s Baby”, entre otras, pero “White Dog” es otro ejemplo perfecto de un potente, valiente y crudo filme que no busca complacer a nadie ni dar esperanza de que al final todo terminará bien.

Basada ligeramente en una novela autobiográfica del escritor francés Romain Gary (quien también hizo un par de filmes como director) y con guión de Curtis Hanson (“L.A. Confidential”, “8 Mile”, “Wonder Boys”), la película iba a ser dirigida por Roman Polanski, ya pero fue justo en ese momento que el polaco fue acusado de violación, el crimen por el que todavía lo sigue buscando la justicia estadounidense.

La banda sonora de Ennio Morricone no destaca demasiado pero sí disfraza la película como un filme de terror y suspenso, mientras que otras escenas se manejan como drama. Las actuaciones son regulares, algunos personajes están construidos con algo de inocencia, aunque esto es común de muchos filmes de la época.

8 de 10.

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127. Tetro

Tetro. 2009

Francis Ford Coppola

Coppola retomando forma

Hace casi un par de meses escribía aquí mismo que deseaba que Francis Ford Coppola se reencontrara con la mejor versión de sí mismo para ver de nuevo su potencial como cineasta. Dos años después de la pretenciosa y enigmática “Youth Without Youth”, Coppola nos trae, después de una serie de tragedias que involucraron al sindicato de trabajadores de cine de Argentina que se rehusaban a trabajar y el robo del guión del filme cuando saquearon la casa del cineasta en Buenos Aires en 2007, un potente, poética y personal filme donde destaca, como es habitual en la filmografía de este realizador, una realización técnicamente perfecta y unas actuaciones bastante bien logradas.

“Tetro” se centra en una historia familiar, donde dos hermanos de origen italiano se reencuentran en la capital argentina. Todos los personajes presentados aquí tienen alguna relación con el arte, ya sean escritores, directores de teatro, bailarinas o músicos, algo que abre paso a la búsqueda de una estética sensual, en blanco y negro en su mayoría. Hijos de un prominente compositor que reside en Nueva York, ambos hermanos luchan por hacer las paces, cada uno a su manera, con un pasado demasiado confuso y doloroso.

Se decía que Matt Dillon iba a protagonizar el filme, pero de haber sido así, el personaje principal hubiera perdido mucho de lo que aportó Vincent Gallo al filme, quien comparte protagonismo con un hasta ahora desconocido Alden Ehrenreich, quien logra muy bien su papel, y la española Maribel Verdú, que también hace una gran interpretación como la novia de Tetro, el mayor de los hermanos. Rodrigo de la Serna, a quien vimos en “Diarios de Motocicleta”, y Carmen Maura completan el reparto.

Francis Ford Coppola va agarrando forma nuevamente, y sobre todo le reconozco y aprecio el extremo y celoso cuidado que tiene del lenguaje de la imagen, creando imágenes bellas y cargadas de poesía, pero por otra parte la historia termina siendo un poco obvia, a pesar del esfuerzo por parte del director por descomponer en pequeños pedacitos el pasado.

8 de 10.

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126. El Último Camino

The Road. 2009

John Hillcoat

Sobreviviendo al niño más inútil y cagante del mundo

Sería una gran pena y frustración si eres de los pocos y últimos sobrevivientes en un mundo apocalíptico y te toca cargar con un niño über-sensible que sólo da problemas y no ayuda para realizar ni una sola tarea a pesar de que ya no está en edad de solamente limitarse a extender la mano a ver qué le da su papá. ¡Niño, qué no ves que tu papá se la está partiendo para buscar alimento y la supervivencia de los dos!

“El Último Camino” es una película de ciencia ficción basada en un libro del autor Cormac McCarthy, quien también escribió la novela “No Country For Old Men”, recientemente llevada a la pantalla grande por los hermanos Coen. Sin embargo, “The Road” cae en otro tipo de historia totalmente, y presenta un mundo gris donde la flora y la fauna han muerto casi en su totalidad, es dificilísimo encontrar algo de comer y esto ha hecho que algunos humanos se hayan convertido en caníbales, todo esto producto de un cataclismo nunca especificado. La cinta plantea dos o tres conceptos interesantes, centrándose en el drama de una familia. El hombre (Viggo Mortensen) ha perdido a su mujer (Charlize Theron), quien ha cometido suicidio pues ya no le veía el caso a una vida que sólo se trataba acerca de sobrevivir. Algunos clichés del género están presentes y el australiano John Hillcoat aporta y propone poco para diferenciarse de tantas otras cintas que han salido últimamente, cosa que sí aprovechó en su momento nuestro compatriota Alfonso Cuarón con su “Children of Men”, por ejemplo.

Hillcoat es más conocido por su trabajo en videos musicales, entre los cuales se encuentran “Personal Holloway”, de Bush, “Time is Running Out”, de Muse, “I Feel Loved”, de Depeche Mode, “Babe I’m On Fire”, de Nick Cave y “Silver and Cold”, de AFI, entre otros. “The Road” es apenas su cuarto largometraje, pero sus primeros dos trabajos son producciones australianas poco conocidas. Desgraciadamente, en su oportunidad de hacerla en grande se queda un poco corto, porque aunque la película entretiene lo suficiente, está bien producida y es creíble, hay algunos momentos dramáticos desaprovechados o simplemente arruinados por la presencia del niño, un personaje demasiado simplón, plano y desagradable. Somebody please shoot him!

Nuevamente Guy Pearce sale dos minutos, como ya había pasado en esa de guerra que ganó todos los Óscar…

7 de 10.

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